Divers...

Photo rare d'Ace avec une guitare de cette forme là.

29.01.2023 16:31:09
1 298 vues  Diffusée comme Première il y a 16 heures
The (un)Real KISStory - Ace talking about his little Police chase

12.02.2023 09:35:53
11 vues . 12 févr. 2023
ACE 5.1 Unwrapping!  2011 Gibson Les Paul Custom 1974 Reissue Ace Frehley mods - Work done by Todd (T.C.) Harrison.

12.03.2023 13:16:09
Andrew Daly  11 Seconds Ago  No Comments

What makes a great producer? More importantly, what makes a great engineer? Indeed, there is a very real distinction. But for my money, Alex Salzman is one of the more authentic and forward-thinking characters within the music industry.

Regardless of if he is making music with Ace Frehley, or an independent pop artist, Salzman brings the same level of authenticity and professionalism to the studio day in and day out.

The distinct sound he elicits from the bands he works with is unique, and the result is a Grammy nomination. Still, Salzman is as humble as they come. Despite leaving a deep imprint on music, his honest and exacting work remains hyper-focused, with no pretense, and is always driven by quality.

Busy as ever, Alex Salzman dialed in with ClassicRockHistory.com to talk music, his love for production, what’s on tap, and more.

What are your earliest memories of music?

My earliest memories are probably from when I was still in the womb, as my mother is a classical concert pianist, who’s performed all over the world in her time, so I basically grew up under a grand piano. I listened to her practice by herself, as well as with many famous instrumentalists and singers that were often at our house. I started my formal musical education at the age of six, discovered The Beatles at 11, and it was over for me!

What was the moment when you knew that you wanted to turn your attention to production?

I was always fascinated by how recordings were made. While working in music stores in my college years and beyond, I had ample access to equipment and got my first 4-track recorder, then basically lost my mind over how cool it is to overdub stuff. Later came an analog 8-track and, consequently, software. I kind of fell into my production career when I recorded the demos for my then-popular NY band Tour De Force, which consequently got a deal on Geffen. The label bought us more gear to do pre-production for the first album, so I dove into that. After the band broke up a few years later, both ex-members and other local bands started coming to me to produce and record their stuff.

Once the decision was made, who were some of your earliest influences?

I listened to tons of music before I dove into my production career. From The Beatles to jazz and progressive rock, so it was definitely giants like George Martin, Phil Ramone, Mutt Lange, Bob Rock, Hugh Padgham, etc. To me, they made amazing records.

From those influences, what sort of techniques have you drawn out, and from whom?

It’s impossible to pinpoint specific techniques, but inevitably I have been influenced by George Martin’s beautiful, clever orchestral arrangements, Mutt Lange’s groundbreaking “precision” recording techniques, the power of Bob Rock’s records, Phil Ramone’s lush sound, etc. To this day, I often refer to my favorite recordings to “borrow” some ideas.

Focusing on your latter rock-oriented career, I wanted to hit on the record you made with Danger Danger’s Ted Poley, Collateral Damage. How did you first become connected with Ted?

I got involved with Ted through John Kivel/Kivel Records; at the time, I was mixing a lot of records for his label, and Ted’s project came along. Ted loved the way a particular record sounded that I mixed (Adrian Gale), and he requested me… to my recollection.

Ted has a classic sound, and you did an incredible job harnessing that while still ushering in a new era for him. What was your approach going in?

Thank you, frankly, there was no specific approach; we knew what Ted was about, and the tracks were well performed and recorded, so I just put my ’80s hat on, and off I went.

You’ve been a huge part of Ace Frehley’s late-career resurgence. Walk me through your initial conversations with Ace and how you ended up working with him on Anomaly.

I got introduced to Ace by a lifelong friend Derrek Hawkins, who was his guitar player at the time. Ace was working on what eventually became Anomaly with other engineers, and things were not working out for one reason or another, but plenty of things were already tracked. Derrek urged me to meet him, citing that my “talent, work ethic, focus, and calm demeanor” would be perfect to help Ace finish his first album in 20 years. One fine day in 2008, I went over to Ace’s studio; I tracked some things with him, we hit it off right away, and five albums later, here we are.

Anomaly served as Ace’s first record as a solo artist since 1989. With a huge legacy under his belt and a distinctive style and bravado, how did you go about reigning that all in?

There was a pretty short adjustment period, actually, we both knew why I was there, and he quickly came to trust me. By that time, I had already worked with some prominent names and knew how to navigate a high-pressure situation, although I cannot recall a time with him where there actually was a high-pressure situation, certainly not during the making of Anomaly.


The production and soundscapes on both Anomaly and its follow-up, Space Invader, are stout, classic, yet modern. What techniques did you deploy to strike that delicate balance?

I actually feel that those two are distinctly different: Anomaly to me, a very in-your-face sounding album, was recorded over two years with a couple of different engineers and a couple of different drummers in Ace’s studio in Westchester. We used mostly Marshall stacks for guitars in a big room. Marti Frederiksen mixed the album, so it was balls to the wall. Space Invader was recorded at The Creation Lab in Turlock, CA, and Ace’s studio in San Diego; it only took three months to record, so the continuity was better. Even though we still used Marshalls, by then, Ace has developed an affinity to record with smaller amps like Vox and Fenders. Warren Huart mixed the album, so to me, it is nowhere as aggressive sounding as Anomaly, albeit still a success.

How important was the overarching sound of Ace’s past work with KISS and as a solo artist to the new recordings you’ve overseen?

It was frankly never discussed. Ace is Ace, he has a unique and distinctive approach to playing, writing, and sound, so it was inevitable that there would be some relevance to KISS. If anything, I consciously tried to use more modern production techniques, almost more reminiscent of Frehley’s Comet, albeit 15 years ahead. I know we both did not intend to make another Destroyer.

With an album like Spaceman, Ace featured many new and talented band members, as he has been known to do. How integral are you to the recording process when there are so many talented musicians in the room?

Like in any other session, my job is to capture what the musicians are playing to the best of my abilities. Ace and I have developed a rapport, where prior to the sessions, he and I would discuss in detail what we wanted. While tracking, I would direct, when necessary, or just suggest changes (with his approval). Ace has always had good production ideas, and the players were only happy to oblige.

I wanted to hit on Ace’s two Origins albums, as they are two completely different animals. How does your approach change when you’ve got artists such as Slash, John 5, and Bruce Kulick in the room?

I agree, but we approached the two albums pretty much the same. We would spend days going through material that was influential for Ace, which is the whole idea behind those albums. Once we picked out the songs, we would discuss who he’d like to guest on particular songs; then we’d record all the basic tracks, having that in mind. I think the choices for guests had worked out famously, especially for Origins Vol. 2, in my opinion.

The guests were all really great to work with; they were happy to be a part of these records. It still amazes me how revered Ace is all these years later. Due to schedule conflicts, I did not get a chance to work the sessions with Slash or Paul Stanley, but John 5, Bruce Kulick, Lita Ford, and Robin Zander were awesome. I recall the time when we were preparing “30 Days In The Hole” on Origins Vol. 2 for Robin, and we figured we’d drop the key, as the original is pretty high. After sending Robin a rough, he called back and was like, “Noooo! I want to sing it in the original key!” But as you know, he killed it.

John5 came in with his famous Tele, an overdrive pedal (which he gifted to Ace after the session), plugged in, and just ripped it. He did three takes, and we could have picked any one of them. Bruce Kulick was also great; he did his parts remotely and was super pro and easy to work with. We just actually finally met in person last year when I played with Peter Criss on a couple of songs with Bruce and his band during Creatures Fest.

What makes these two different is that Origins Vol. 2 is heavier and more aggressive, again due to having been mixed by Marti Frederikson/Anthony Foxx, while Origins Vol. 1 was done by Warren Huart, which has more of a classic rock sound.

How do you feel you’ve changed, if not defined, the latter career sound of Ace Frehley?

I am happy to have been a part of it, but hardly take much credit for defining the sound. I think no matter who would have recorded his recent work; it would still be Ace. Undoubtedly, I defined these albums with my perspective and focus on the job at hand, keeping things rolling, encouraging when needed, and stepping back the same, but much of the credit goes to Ace.

Do you find it challenging to deal with some of the larger musical personalities you’ve been paired with?

It is sometimes a challenge to deal with large personalities in the music business, but over the years, I have learned when to express my opinion, when to politely and with encouragement make suggestions, and when to keep my opinions to myself. Thankfully, I cannot recall a time when I had a working issue with anyone of stature, as when you get to that level, it is assumed that everyone involved is a professional and there for one purpose.

Funny enough, for me, personality issues only arose when dealing with amateur, unseasoned, and insecure musicians who just didn’t know any better at the time. I have gotten very good at predicting where a possible conflict could arise during an initial project meeting, and I make my decisions accordingly.

Describe the meaning of being nominated for a Grammy.

It was a great honor that came completely unexpectedly. It was incredibly gratifying, and it only encouraged me to keep going and improving my work. All creatives sometimes go through moments of self-doubt, especially in this incredibly competitive business of music, so it was a huge positive.

What are a few of your works which you feel are most underrated?

Guitar fans should listen to some of the Arlen Roth albums we did, great musicians and playing. Pop music fans should check out Ashley Suppa (ashleysuppa.com); she is a young, super-talented singer-songwriter with her recent debut album; she’s the first artist to be signed to our media group Ki-Jung Media.

What’s next for you in all lanes?

Currently, I’m in the middle of making what’s coming out as an amazing sounding R&B/blues record with Arlen Roth on guitars and heavyweights like Jerry Jemmott on bass, Chris Parker on drums, Joe Louis Walker on guitar, Bruce Katz on organ, The Uptown Horns, etc. Of course, we’re working on some material for Ace’s next album. I’ve done some live appearances with Peter Criss (I have been his musical director since 2017). Lastly, I’m looking to grow our media company and currently developing some talented young singers and musicians from all over the US.



Classicrockhistory.com claims ownership of all its original content and Intellectual property under United States Copyright laws and those of all other foreign countries. No one person, business, or organization is allowed to re-publish any of our original content anywhere on the web or in print without our permission. All photos used are either public domain creative commons photos or licensed officially from Shutterstock under license with ClassicRockHistory.com. All photo credits have been placed at the end of the article. Album Cover Photos are affiliate links and the property of Amazon and are stored on the Amazon server. Any theft of our content will be met with swift legal action against the infringing websites.

12.03.2023 13:31:34

Qu'est-ce qui fait un grand producteur ? Plus important encore, qu'est-ce qui fait un grand ingénieur ? En effet, il y a une distinction bien réelle. Mais pour mon argent, Alex Salzman est l'un des personnages les plus authentiques et avant-gardistes de l'industrie musicale.

Qu'il fasse de la musique avec Ace Frehley ou un artiste pop indépendant, Salzman apporte le même niveau d'authenticité et de professionnalisme au studio jour après jour.

Le son distinct qu'il obtient des groupes avec lesquels il travaille est unique, et le résultat est une nomination aux Grammy Awards. Pourtant, Salzman est aussi humble que possible. Bien qu'il ait laissé une empreinte profonde sur la musique, son travail honnête et exigeant reste hyper concentré, sans prétention, et toujours motivé par la qualité.

Occupé comme jamais, Alex Salzman s'est connecté à ClassicRockHistory.com pour parler de musique, de son amour pour la production, de ce qui se passe, et plus encore.

Quels sont vos premiers souvenirs de musique ?

Mes premiers souvenirs remontent probablement à l'époque où j'étais encore dans l'utérus, car ma mère est une pianiste de concert classique, qui a joué partout dans le monde à son époque, donc j'ai essentiellement grandi sous un piano à queue. Je l'ai écoutée répéter seule, ainsi qu'avec de nombreux instrumentistes et chanteurs célèbres qui étaient souvent chez nous. J'ai commencé mon éducation musicale formelle à l'âge de six ans, j'ai découvert les Beatles à 11 ans, et c'était fini pour moi !

À quel moment avez-vous su que vous vouliez tourner votre attention vers la production ?

J'ai toujours été fasciné par la façon dont les enregistrements étaient faits. Alors que je travaillais dans des magasins de musique pendant mes années universitaires et au-delà, j'avais un accès suffisant à l'équipement et j'ai obtenu mon premier enregistreur 4 pistes, puis j'ai essentiellement perdu la tête à quel point il est cool d'overdub. Plus tard est venu un 8 pistes analogique et, par conséquent, un logiciel. Je suis en quelque sorte tombé dans ma carrière de producteur lorsque j'ai enregistré les démos de mon groupe new-yorkais alors populaire, Tour De Force, qui a par conséquent obtenu un accord sur Geffen. Le label nous a acheté plus de matériel pour faire la pré-production du premier album, alors j'ai plongé là-dedans. Après la séparation du groupe quelques années plus tard, des ex-membres et d'autres groupes locaux ont commencé à venir me voir pour produire et enregistrer leurs trucs.

Une fois la décision prise, quelles ont été vos premières influences ?

J'ai écouté des tonnes de musique avant de plonger dans ma carrière de producteur. Des Beatles au jazz et au rock progressif, c'était définitivement des géants comme George Martin, Phil Ramone, Mutt Lange, Bob Rock, Hugh Padgham, etc. Pour moi, ils ont fait des disques incroyables.

De ces influences, quelles sortes de techniques avez-vous puisées et auprès de qui ?

Il est impossible d'identifier des techniques spécifiques, mais j'ai inévitablement été influencé par les arrangements orchestraux magnifiques et intelligents de George Martin, les techniques d'enregistrement de « précision » révolutionnaires de Mutt Lange, la puissance des disques de Bob Rock, le son luxuriant de Phil Ramone, etc. me réfère souvent à mes enregistrements préférés pour « emprunter » quelques idées.

En me concentrant sur votre dernière carrière orientée rock, je voulais frapper sur le disque que vous avez fait avec Ted Poley de Danger Danger, Collateral Damage. Comment avez-vous rencontré Ted pour la première fois ?

Je me suis impliqué avec Ted via John Kivel/Kivel Records ; à l'époque, je mixais beaucoup de disques pour son label, et le projet de Ted est arrivé. Ted adorait le son d'un disque particulier que j'avais mixé (Adrian Gale), et il m'a demandé… d'après mes souvenirs.

Ted a un son classique, et vous avez fait un travail incroyable en l'exploitant tout en inaugurant une nouvelle ère pour lui. Quelle était votre approche ?

Merci, franchement, il n'y avait pas d'approche spécifique; nous savions de quoi parlait Ted, et les morceaux étaient bien interprétés et enregistrés, alors j'ai juste mis mon chapeau des années 80, et je suis parti.

Vous avez joué un rôle important dans la résurgence en fin de carrière d'Ace Frehley. Expliquez-moi vos premières conversations avec Ace et comment vous avez fini par travailler avec lui sur Anomaly.

J'ai été présenté à Ace par un ami de toujours, Derrek Hawkins, qui était son guitariste à l'époque. Ace travaillait sur ce qui est finalement devenu Anomaly avec d'autres ingénieurs, et les choses ne fonctionnaient pas pour une raison ou une autre, mais beaucoup de choses étaient déjà suivies. Derrek m'a exhorté à le rencontrer, citant que mon "talent, mon éthique de travail, ma concentration et mon attitude calme" seraient parfaits pour aider Ace à terminer son premier album en 20 ans. Un beau jour de 2008, je suis allé au studio d'Ace ; J'ai enregistré des trucs avec lui, on s'est tout de suite entendus, et cinq albums plus tard, on y est.

Anomaly a été le premier disque d'Ace en tant qu'artiste solo depuis 1989. Avec un énorme héritage à son actif et un style et une bravade distinctifs, comment avez-vous fait pour régner sur tout cela ?

Il y a eu une période d'adaptation assez courte, en fait, nous savions tous les deux pourquoi j'étais là, et il m'a vite fait confiance. À ce moment-là, j'avais déjà travaillé avec des noms éminents et je savais comment naviguer dans une situation de haute pression, bien que je ne me souvienne pas d'un moment avec lui où il y avait réellement une situation de haute pression, certainement pas pendant la réalisation d'Anomaly.

La production et les paysages sonores d'Anomaly et de son suivi, Space Invader, sont solides, classiques et modernes. Quelles techniques avez-vous déployées pour trouver cet équilibre délicat ?

En fait, j'ai l'impression que ces deux-là sont distinctement différents : Anomaly to me, un album qui sonne très en face, a été enregistré sur deux ans avec deux ingénieurs différents et deux batteurs différents dans le studio d'Ace à Westchester. Nous avons utilisé principalement des piles Marshall pour les guitares dans une grande pièce. Marti Frederiksen a mixé l'album, donc c'était les boules au mur. Space Invader a été enregistré au Creation Lab à Turlock, en Californie, et au studio d'Ace à San Diego; il n'a fallu que trois mois pour enregistrer, donc la continuité était meilleure. Même si nous utilisions encore des Marshall, Ace a développé une affinité pour enregistrer avec des amplis plus petits comme Vox et Fenders. Warren Huart a mixé l'album, donc pour moi, ce n'est nulle part un son aussi agressif qu'Anomaly, bien qu'il soit toujours un succès.

Quelle était l'importance du son global du travail passé d'Ace avec KISS et en tant qu'artiste solo pour les nouveaux enregistrements que vous avez supervisés ?

Il n'en a franchement jamais été question. Ace est Ace, il a une approche unique et distinctive du jeu, de l'écriture et du son, il était donc inévitable qu'il y ait une certaine pertinence pour KISS. Au contraire, j'ai consciemment essayé d'utiliser des techniques de production plus modernes, rappelant presque plus la comète de Frehley, bien que 15 ans à l'avance. Je sais que nous n'avions pas l'intention de créer un autre Destroyer.

Avec un album comme Spaceman, Ace a présenté de nombreux nouveaux membres talentueux du groupe, comme il est connu pour le faire. À quel point faites-vous partie intégrante du processus d'enregistrement alors qu'il y a tant de musiciens talentueux dans la salle ?

Comme dans toute autre session, mon travail consiste à capturer ce que les musiciens jouent au mieux de mes capacités. Ace et moi avons développé une relation, où avant les séances, lui et moi discutions en détail de ce que nous voulions. Pendant le suivi, je dirigeais, si nécessaire, ou suggérais simplement des changements (avec son approbation). Ace a toujours eu de bonnes idées de production, et les joueurs n'étaient qu'heureux d'obliger.

Je voulais frapper sur les deux albums Origins d'Ace, car ce sont deux animaux complètement différents. Comment votre approche change-t-elle lorsque vous avez des artistes tels que Slash, John 5 et Bruce Kulick dans la pièce ?

Je suis d'accord, mais nous avons abordé les deux albums à peu près de la même manière. Nous passions des jours à passer en revue des éléments qui ont eu une influence sur Ace, qui est l'idée derrière ces albums. Une fois que nous avons choisi les chansons, nous discutions de qui il aimerait inviter sur des chansons particulières; puis nous enregistrions toutes les pistes de base, en gardant cela à l'esprit. Je pense que les choix des invités avaient fonctionné de manière célèbre, en particulier pour Origins Vol. 2, à mon avis.

Les invités étaient tous très agréables à travailler ; ils étaient heureux de faire partie de ces disques. Cela m'étonne toujours à quel point Ace est vénéré toutes ces années plus tard. En raison de conflits d'horaire, je n'ai pas eu la chance de travailler les sessions avec Slash ou Paul Stanley, mais John 5, Bruce Kulick, Lita Ford et Robin Zander étaient géniaux. Je me souviens du moment où nous préparions "30 Days In The Hole" sur Origins Vol. 2 pour Robin, et nous avons pensé que nous laisserions tomber la clé, car l'original est assez élevé. Après avoir envoyé un brouillon à Robin, il a rappelé et a dit : « Noooon ! Je veux le chanter dans la tonalité originale ! Mais comme vous le savez, il l'a tué.

John5 est arrivé avec sa fameuse Tele, une pédale d'overdrive (qu'il a offerte à Ace après la session), l'a branchée et l'a juste déchirée. Il a fait trois prises, et nous aurions pu choisir n'importe laquelle d'entre elles. Bruce Kulick était également génial; il a fait ses parties à distance et était super pro et facile à travailler. En fait, nous nous sommes finalement rencontrés en personne l'année dernière lorsque j'ai joué avec Peter Criss sur quelques chansons avec Bruce et son groupe pendant Creatures Fest.

Ce qui rend ces deux différents, c'est que Origins Vol. 2 est plus lourd et plus agressif, encore une fois parce qu'il a été mixé par Marti Frederikson/Anthony Foxx, tandis que Origins Vol. 1 a été réalisé par Warren Huart, qui a plus un son rock classique.

Comment pensez-vous avoir changé, sinon défini, le dernier son de carrière d'Ace Frehley?

Je suis heureux d'en avoir fait partie, mais je ne m'attribue guère le mérite d'avoir défini le son. Je pense que peu importe qui aurait enregistré son travail récent; ce serait toujours Ace. Sans aucun doute, j'ai défini ces albums avec ma perspective et je me suis concentré sur le travail à accomplir, en gardant les choses en marche, en encourageant si nécessaire et en prenant du recul, mais une grande partie du mérite revient à Ace.

Trouvez-vous difficile de traiter avec certaines des plus grandes personnalités musicales avec lesquelles vous avez été jumelé?

C'est parfois un défi de traiter avec de grandes personnalités de l'industrie de la musique, mais au fil des ans, j'ai appris quand exprimer mon opinion, quand faire des suggestions poliment et avec encouragement, et quand garder mes opinions pour moi. Heureusement, je ne me souviens pas d'un moment où j'ai eu un problème de travail avec quelqu'un de stature, car lorsque vous arrivez à ce niveau, on suppose que toutes les personnes impliquées sont des professionnels et là dans un seul but.

Assez drôle, pour moi, les problèmes de personnalité ne se posaient que lorsqu'il s'agissait de musiciens amateurs, non expérimentés et peu sûrs d'eux qui ne savaient tout simplement pas mieux à l'époque. Je suis devenu très doué pour prédire où un éventuel conflit pourrait survenir lors d'une première réunion de projet, et je prends mes décisions en conséquence.

Décrivez la signification d'être nominé pour un Grammy.

C'était un grand honneur qui est venu complètement à l'improviste. C'était incroyablement gratifiant et cela m'a seulement encouragé à continuer et à améliorer mon travail. Tous les créatifs traversent parfois des moments de doute, en particulier dans ce secteur incroyablement compétitif de la musique, donc c'était un énorme positif.

Quelles sont certaines de vos œuvres qui, selon vous, sont les plus sous-estimées ?

Les fans de guitare devraient écouter certains des albums d'Arlen Roth que nous avons faits, de grands musiciens et qui jouent. Les fans de musique pop devraient consulter Ashley Suppa (ashleysuppa.com); elle est une jeune auteur-compositeur-interprète super talentueuse avec son récent premier album; elle est la première artiste à avoir signé avec notre groupe média Ki-Jung Media.

Quelle est la prochaine pour vous dans toutes les voies?

Actuellement, je suis en train de faire ce qui sort comme un disque R&B/blues au son incroyable avec Arlen Roth aux guitares et des poids lourds comme Jerry Jemmott à la basse, Chris Parker à la batterie, Joe Louis Walker à la guitare, Bruce Katz à l'orgue, The Uptown Horns, etc. Bien sûr, nous travaillons sur du matériel pour le prochain album d'Ace. J'ai fait quelques apparitions live avec Peter Criss (je suis son directeur musical depuis 2017). Enfin, je cherche à développer notre entreprise de médias et à développer actuellement de jeunes chanteurs et musiciens talentueux de partout aux États-Unis.

17.03.2023 13:53:49
“They seemed like superheroes to me”
Author : Spike Steffenhagen
Publish Date : March 16, 2023

“I don’t think there is animosity toward KISS in the punk scene,” says Lenny Bly, best known for playing bass in Inciting Riots and Social Spit. “Most people just think Gene [Simmons, KISS’s bassist] is a douche.” While Bly has never identified himself as a punk, he has been immersed in the scene for decades. And animosity or no, his KISS-inspired tattoo has come in for some mockery, which he handles with his trademark diplomacy. “I’ve gotten teased a little by punkers about being a KISS fan, but they can fuck off and be cool somewhere else.”

Bly’s first instrument was guitar; he was inspired by original KISS guitarist Ace Frehley, a former San Diego resident. Bly’s six-string bears the same Ace sticker that Foo Fighters’ Chris Shiflett has on his, and his arm displays further proof of his devotion. Tattoos are forever — and in the best cases, they reveal something about the person behind the fleshy canvas. Bly’s tattoo works with KISS’s makeup design and deep mythology. “Ace usually uses the ace of hearts when he signs autographs. I didn’t want to put a heart on me, so I put his eye makeup pattern inside of a blue ace of spades. I designed it. I even have stars and the Planet Jendell [the planet Frehley has claimed to hail from] around it. Brent Hefner [of Black Anvil Tattoo] designed the planet and stars and put the tattoo on me. I do need to have it touched up. While it was healing, my son picked at it while I was asleep, so some of the blue came off.”

For Bly, the fascination with Frehley began even before he heard the guitarist play. “I became a KISS fan when I was seven years old. I went over to this kid’s house, and he had KISS collectible cards [produced in 1978]. They seemed like superheroes to me. I started collecting them before I’d even heard one song. I was really into Star Wars as a kid, and Frehley’s character was the Spaceman. Then, after hearing and seeing KISS, he became a musical inspiration, and the reason I wanted to play guitar. When my dad asked me what I wanted for my 12th birthday, I drew a picture of Ace’s sunburst guitar and gave it to him. He bought me an acoustic guitar with the sunburst pattern.”

Being too young to either purchase a concert ticket or attend a show alone, Bly was unable to see his hero perform in makeup before his 1982 departure from the band. And when Frehley returned in the mid-’90s, Bly was again thwarted: he had to sell his ticket to the reunion tour. He finally caught the band in concert two years later. “The only reason I got to see them on the Psycho Circus tour was because my girlfriend bought tickets. We broke up before the show, and she was going to take someone else. That person told her she should still take me, because of how excited I was to finally see Ace play live. Ted Nugent opened, but we missed him, because she lagged getting ready. I wanted to complain, but I didn’t, because I knew how lucky I was that she was taking her ex-boyfriend instead of her friend.”

Though billed as the first album by the original members since 1979’s Dynasty, the additional personnel used to create Psycho Circus resulted in the classic lineup playing on only one song together, the Frehley-penned “Into The Void.” The tour was marred by Frehley’s substance abuse — he punched his guitar tech and future replacement Tommy Thayer — and his occasional attempts to play songs not in the set list. Video of the latter can be seen on YouTube videos with titles like “Gene spits at Ace” or some variation of that — the video gets taken down periodically. Frehley doesn’t appear intoxicated or confused. It seems clear that he’s deliberately pissing Simmons off, and he wears a casually defiant expression worthy of any punk.

But despite the backstage and onstage fuckery —or perhaps because of it — Bly remains a loyal Ace fan. And he has no desire to see anyone else wearing the trademark Spaceman makeup. Earlier this month, KISS announced their supposedly final tour dates. “I think it would be cool for Ace to put on the makeup for the reunion,” he says, “but I don’t see it happening. He’s doing just fine on his own. And I don’t believe in farewell tours. They are never the last one. I won’t see them without Ace. So they can have 20 more farewell tours, for all I care.”
Comments

17.03.2023 13:59:23
"Je ne pense pas qu'il y ait de l'animosité envers KISS dans la scène punk", déclare Lenny Bly, mieux connu pour avoir joué de la basse dans Inciting Riots et Social Spit. "La plupart des gens pensent juste que Gene [Simmons, le bassiste de KISS] est un imbécile." Alors que Bly ne s'est jamais identifié comme un punk, il a été immergé dans la scène pendant des décennies. Et animosité ou non, son tatouage inspiré de KISS a fait l'objet de moqueries, qu'il gère avec sa diplomatie de marque. "Je me suis un peu fait taquiner par les punks à propos d'être un fan de KISS, mais ils peuvent se faire foutre et être cool ailleurs."

Le premier instrument de Bly était la guitare; il a été inspiré par le guitariste original de KISS, Ace Frehley, un ancien résident de San Diego. La six cordes de Bly porte le même autocollant Ace que Chris Shiflett des Foo Fighters a sur le sien, et son bras montre une preuve supplémentaire de son dévouement. Les tatouages ​​sont éternels - et dans le meilleur des cas, ils révèlent quelque chose sur la personne derrière la toile charnue. Le tatouage de Bly fonctionne avec la conception de maquillage et la mythologie profonde de KISS. "Ace utilise généralement l'as de cœur lorsqu'il signe des autographes. Je ne voulais pas mettre un cœur sur moi, alors j'ai mis son motif de maquillage pour les yeux à l'intérieur d'un as de pique bleu. Je l'ai conçu. J'ai même des étoiles et la planète Jendell [dont la planète Frehley prétend être originaire] autour d'elle. Brent Hefner [de Black Anvil Tattoo] a conçu la planète et les étoiles et m'a tatoué. J'ai besoin de le faire retoucher. Pendant qu'il guérissait, mon fils l'a pioché pendant que je dormais, alors une partie du bleu s'est détachée.

Pour Bly, la fascination pour Frehley a commencé avant même qu'il n'entende le guitariste jouer. "Je suis devenu fan de KISS quand j'avais sept ans. Je suis allé chez ce gamin, et il avait des cartes à collectionner KISS [produites en 1978]. Ils m'apparaissaient comme des super-héros. J'ai commencé à les collectionner avant même d'avoir entendu une seule chanson. J'étais vraiment dans Star Wars quand j'étais enfant, et le personnage de Frehley était le Spaceman. Puis, après avoir entendu et vu KISS, il est devenu une source d'inspiration musicale et la raison pour laquelle je voulais jouer de la guitare. Quand mon père m'a demandé ce que je voulais pour mon 12e anniversaire, j'ai dessiné une photo de la guitare sunburst d'Ace et je la lui ai donnée. Il m'a acheté une guitare acoustique avec le motif sunburst.

Étant trop jeune pour acheter un billet de concert ou assister seul à un spectacle, Bly n'a pas pu voir son héros se maquiller avant son départ du groupe en 1982. Et quand Frehley est revenu au milieu des années 90, Bly a de nouveau été contrecarré : il a dû vendre son billet pour la tournée de retrouvailles. Il a finalement attrapé le groupe en concert deux ans plus tard. "La seule raison pour laquelle j'ai pu les voir lors de la tournée Psycho Circus, c'est parce que ma petite amie a acheté des billets. Nous avons rompu avant le spectacle, et elle allait prendre quelqu'un d'autre. Cette personne lui a dit qu'elle devrait quand même m'emmener, à cause de mon enthousiasme à l'idée de voir enfin Ace jouer en live. Ted Nugent a ouvert, mais il nous a manqué, car elle a pris du retard pour se préparer. Je voulais me plaindre, mais je ne l'ai pas fait, parce que je savais à quel point j'avais de la chance qu'elle prenne son ex-petit ami au lieu de son ami.

Bien que présenté comme le premier album des membres originaux depuis Dynasty en 1979, le personnel supplémentaire utilisé pour créer Psycho Circus a donné lieu à la formation classique jouant sur une seule chanson ensemble, "Into The Void", écrit par Frehley. La tournée a été gâchée par la toxicomanie de Frehley – il a frappé son technicien de la guitare et son futur remplaçant Tommy Thayer – et ses tentatives occasionnelles de jouer des chansons ne figurant pas dans la set list. La vidéo de ce dernier peut être vue sur des vidéos YouTube avec des titres comme "Gene crache sur Ace" ou une variante de cela - la vidéo est supprimée périodiquement. Frehley ne semble pas ivre ou confus. Il semble clair qu'il énerve délibérément Simmons, et il porte une expression désinvolte et provocante digne de n'importe quel punk.

Mais malgré les conneries dans les coulisses et sur scène – ou peut-être à cause de cela – Bly reste un fidèle fan d'Ace. Et il n'a aucune envie de voir quelqu'un d'autre porter le maquillage de la marque Spaceman. Plus tôt ce mois-ci, KISS a annoncé ses dates de tournée supposées finales. "Je pense que ce serait cool pour Ace de se maquiller pour la réunion", dit-il, "mais je ne vois pas cela se produire. Il se débrouille très bien tout seul. Et je ne crois pas aux tournées d'adieu. Ils ne sont jamais les derniers. Je ne les verrai pas sans Ace. Ils peuvent donc avoir 20 autres tournées d'adieu, pour tout ce qui m'importe.

17.03.2023 14:07:14

Je suis bien d'accord avec lui sur deux points :
1/ Ace se débrouille très bien tout seul à sortir de temps en temps des albums bien sympa
2/ je n'en ai rien à f... de voir Kiss sans Ace. La tournée d'adieu ; c'était en 2002 !

26.04.2023 15:15:45
713 vues . 21 avr. 2023
Home video footage of KISS celebrating Ace Frehley's birthday at a bowling alley on April 27, 1996. Paul Stanley, Gene Simmons, Peter Criss, Ace Frehley.

28.04.2023 23:04:02
Andrew Daly  1 Day Ago

Few players exude the level of joy, professionalism, and love for their craft as guitarist Jeremy Asbrock.

Some know him through his current work with Rock City Machine Co.; others first experienced Asbrock’s fine playing via the John Corabi Band. But Asbrock’s biggest claim to fame may be through his work as an essential member of Gene Simmons’ and Ace Frehley’s solo bands.

With Simmons placing his solo band on hold, Asbrock has been playing nearly exclusively with Frehley’s band, handily covering the quintessential work of past Frehley cohorts Paul Stanley, Tod Howarth, and Richie Scarlet.

To say that Asbrock and his bandmates have been a revelation for Frehley would be an understatement, seeing as the veteran guitarist appears reinvigorated by the trio of Asbrock, Ryan Cook, and Philip Shouse, along with drummer Matt Starr.

As he continues to live out his dream, Asbrock took a moment with me to recollect his love affair with both the guitar and KISS, the latest music he’s working on with Rock City Machine Co., working with Gene Simmons, Ace Frehley, and more.

What first inspired you to pick up the guitar?

Actually, it was Ace Frehley and Gene Simmons [Laughs]. I didn’t really know the difference between lead and bass guitar at that age, but I thought they were so cool that I wanted to play guitar. KISS was the first band I ever liked, and sides three and four of Alive II was the first record I ever bought. Ace’s impact on my playing cannot be understated. As I got older, I started listening to the same players that he listened to as well. When given a chance to play lead guitar, it’s impossible not to hear a little of Ace in my playing.

Who were your primary influences, and who influences you most today?

Edward Van Halen was the guitarist that probably inspired me the most, even though you’d be hard-pressed to hear him in my playing. He made me aim high because playing like him didn’t sound possible. He looked like he was having as much fun as possible playing. His rhythm playing probably had a bigger effect on me than his lead playing. John Lennon, Paul McCartney, and George Harrison because they took me to places other than bar chords. Jimmy Page, Joe and Brad, Pete Townshend, and Jeff Beck have shaped my style. Zal Cleminson from the Sensational Alex Harvey Band is one of my all-time favorites. These players all still inspire me. That’s why they are the greats.

Do current trends alter your style and technique at all?

I quit paying attention to trends when hair metal ended, and grunge took over. I’ve always just kind of liked what I liked. I don’t know if it’s even necessarily staying true to my roots. I play like the music I like to listen to. There are some different styles that I’ve gotten into through my journey as a guitar player, but nothing that really took over my style since I am pretty much a rock ‘n’ roll guitar player.

How did you first become involved with Ace Frehley’s band?

When I was playing guitar in Gene Simmons’ solo band, we did a tour of Australia, and Ace was the opener for the show. Ace asked Gene if he could use us, as it was too expensive for him to take his band over for the shows. Gene agreed, if Ace asked us, and we agreed (that wasn’t hard). It was also arranged for us to go to Japan immediately after Australia with Ace while over there. Ace asked if we would be his band on that upcoming KISS Kruise. Gene knew KISS’s End of the Road Tour was on the horizon, so he and other people in Ace’s world suggested he take us on full-time, so that was that.

What are the best parts about being in Ace’s band? Is it a challenge covering the aspects of Tod Howarth and Richie Scarlet?

The best part is that it’s the easiest gig you could give me, Ryan [Cook], and Phil [Shouse]. We are huge KISS fans. I’ve been listening to that music my whole life, so playing it is as natural as it gets. My approach is to play stuff exactly like the fans know it, so that’s not really a challenge. I have no interest in injecting my own “style” into any of Ace’s music. This isn’t about me or my ego. If we are doing any of Tod or Richie’s songs, I’ll play it just like they did.

What songs do you most enjoy playing live?

While I like doing Ace’s solo material for the fans that really want to hear it, I really love playing the classic KISS stuff. Ace wrote those iconic solos, so to get to hear them nightly, standing right beside him, is as cool as it gets. It’s what set my path, and the gravity of that is not lost on me. It keeps me in touch with my inner child.

Ace aside, which KISS guitarist is your favorite and why? Do you like the current lineup?

I wasn’t a huge fan of the guitar players as much as the band, but I can say Revenge is my favorite non-makeup album. Bob Ezrin worked Bruce [Kulick] very hard, and you can hear the results. I support the current lineup. KISS has a complicated relationship that I have no business forming an opinion on. I think it’s great that they have different lineups that span 50 years that people of all ages are still discovering and latching on to. Having said that, ’70s KISS is my KISS.

What guitars do you use? Do you prefer vintage or new?

I’ve been working with a brand called Vintage for the past six years. They make great, affordable guitars, and they’ve been very good to me. Some of their guitars play as well as any guitar I’ve ever played. Vintage (as in age) are great to play, but there’s too much risk in taking them out, and I don’t have the budget or space to be a collector. I have a 1977 Gibson RD Standard and a 1993 Cherry Sunburst Les Paul Standard that I love equally. The Les Paul is the one that made me love Les Paul’s and was my first, which I didn’t own until 2013. I had always gravitated toward Firebird-type shapes until I got my Les Paul. Those are my two “nice” guitars.

What amps and other gear are you using? Are you okay with Kemper’s, or do you prefer tube amps?

I do own a Kemper, and it’s my main amp these days. I love tube amps, but maintaining them got to be a headache, not to mention the weight of hauling them around. I worked with Orange Amps for years and still use them if I need that kind of thing. I can tell the difference in small venues. Tube amps will always win. But in big venues, you can’t tell the difference by the time it hits your ears through the PA. I use Michael Britt profilers almost exclusively. I have a ’68 Marshall profile that I lean on for most stuff.

Are you a pedal addict? If so, which do you like?

I’m not a pedal addict [Laughs]. I like to keep it simple. If I need one these days, I like TC Electronics because of its size and weight (or lack thereof). EVH has great pedals. Electro Harmonix and Dunlop as well. I like the classics if I really need one.

What other music are you working on?

Ryan, Phil, and I have made an 8-song record produced by Marti Frederiksen (Aerosmith/Ozzy/Mötley Crüe) under the name Rock City Machine Co. (RCMC). It sounds like all the bands we love. It sounds new but very familiar. The first single, “Can’t Stop the Train,” is out now on all streaming platforms. Vinyl and CDs are at the printer now. We plan to scatter single releases until we can release the physical product.

Can you tell us anything about Ace’s new record and what your role will be?

All I know is that Ace has been working with Steve Brown from Trixter. They both live in New Jersey, not too far from each other, making it easy for them to work together. I’ve heard one song that was very good. I’m not involved, so there’s not really anything I can offer about it.

What’s next for you in all lanes?

The plan is to push Rock City Machine Co. as hard and far as possible. There will be live shows in the future. Gene Simmons has messaged us and expressed interest in continuing where we left off when KISS wraps up. I won’t count my chickens before they hatch, though. Ace has shows booked through 2023, so I’ll continue playing with him. I’m always open-minded because I’d like to think the KISS world isn’t the end of the musical road for me. It has certainly been an honor to become part of their musical tree twice over, though.

28.04.2023 23:17:16
Peu de joueurs dégagent le niveau de joie, de professionnalisme et d'amour pour leur métier en tant que guitariste que Jeremy Asbrock.

Certains le connaissent grâce à son travail actuel avec Rock City Machine Co. ; d'autres ont d'abord expérimenté le jeu d'Asbrock via le John Corabi Band. Mais la plus grande renommée d'Asbrock réside peut-être dans son travail en tant que membre essentiel des groupes solo de Gene Simmons et Ace Frehley.

Avec Simmons mettant son groupe solo en attente, Asbrock a joué presque exclusivement avec le groupe de Frehley, couvrant facilement le travail par excellence des anciennes cohortes de Frehley Paul Stanley, Tod Howarth et Richie Scarlet.

Dire qu'Asbrock et ses camarades ont été une révélation pour Frehley serait un euphémisme, vu que le guitariste vétéran semble revigoré par le trio d'Asbrock, Ryan Cook et Philip Shouse, ainsi que le batteur Matt Starr.

Alors qu'il continue de vivre son rêve, Asbrock a pris un moment avec moi pour se remémorer son histoire d'amour avec la guitare et KISS, la dernière musique sur laquelle il travaille avec Rock City Machine Co., en collaboration avec Gene Simmons, Ace Frehley, et plus .

Qu'est-ce qui vous a d'abord inspiré à prendre la guitare ?

En fait, c'était Ace Frehley et Gene Simmons [Rires]. Je ne connaissais pas vraiment la différence entre la guitare solo et la guitare basse à cet âge, mais je les trouvais tellement cool que je voulais jouer de la guitare. KISS a été le premier groupe que j'ai aimé, et les faces trois et quatre d'Alive II ont été le premier disque que j'ai acheté. L'impact d'Ace sur mon jeu ne peut être sous-estimé. En vieillissant, j'ai commencé à écouter les mêmes musiciens qu'il écoutait aussi. Lorsqu'on m'a donné la chance de jouer de la guitare solo, il est impossible de ne pas entendre un peu d'Ace dans mon jeu.

Quelles ont été vos principales influences et qui vous influence le plus aujourd'hui ?

Edward Van Halen est probablement le guitariste qui m'a le plus inspiré, même si vous auriez du mal à l'entendre dans mon jeu. Il m'a fait viser haut parce que jouer comme lui ne semblait pas possible. Il avait l'air de s'amuser le plus possible en jouant. Son jeu rythmique a probablement eu un plus grand effet sur moi que son jeu principal. John Lennon, Paul McCartney et George Harrison parce qu'ils m'ont emmené dans des endroits autres que les accords barrés. Jimmy Page, Joe et Brad, Pete Townshend et Jeff Beck ont ​​façonné mon style. Zal Cleminson du Sensational Alex Harvey Band est l'un de mes favoris de tous les temps. Ces joueurs m'inspirent tous encore. C'est pourquoi ils sont les grands.

Les tendances actuelles modifient-elles votre style et votre technique ?

J'ai arrêté de prêter attention aux tendances lorsque le hair metal a pris fin et que le grunge a pris le dessus. J'ai toujours aimé ce que j'aimais. Je ne sais même pas si c'est nécessairement rester fidèle à mes racines. Je joue comme la musique que j'aime écouter. Il y a différents styles dans lesquels j'ai été initié au cours de mon parcours en tant que guitariste, mais rien n'a vraiment pris le pas sur mon style puisque je suis plutôt un guitariste rock'n'roll.

Comment avez-vous commencé à vous impliquer dans le groupe d'Ace Frehley ?

Quand je jouais de la guitare dans le groupe solo de Gene Simmons, nous avons fait une tournée en Australie, et Ace était l'ouvreur du spectacle. Ace a demandé à Gene s'il pouvait nous utiliser, car c'était trop cher pour lui d'emmener son groupe pour les concerts. Gene était d'accord, si Ace nous le demandait, et nous étions d'accord (ce n'était pas difficile). Il a également été arrangé pour nous d'aller au Japon immédiatement après l'Australie avec Ace là-bas. Ace a demandé si nous serions son groupe sur ce prochain KISS Kruise. Gene savait que la tournée End of the Road Tour de KISS était à l'horizon, alors lui et d'autres personnes dans le monde d'Ace ont suggéré qu'il nous prenne à plein temps, alors c'était tout.

Quels sont les meilleurs aspects du fait d'être dans le groupe d'Ace ? Est-ce un défi couvrant les aspects de Tod Howarth et Richie Scarlet ?

La meilleure partie est que c'est le concert le plus simple que vous puissiez me donner, Ryan [Cook] et Phil [Shouse]. Nous sommes de grands fans de KISS. J'ai écouté cette musique toute ma vie, donc la jouer est aussi naturel que possible. Mon approche est de jouer des choses exactement comme les fans les connaissent, donc ce n'est pas vraiment un défi. Je n'ai aucun intérêt à injecter mon propre "style" dans la musique d'Ace. Ce n'est pas à propos de moi ou de mon ego. Si nous jouons l'une des chansons de Tod ou Richie, je la jouerai comme ils l'ont fait.

Quelles chansons aimez-vous le plus jouer en live ?

Bien que j'aime faire le matériel solo d'Ace pour les fans qui veulent vraiment l'entendre, j'aime vraiment jouer les trucs classiques de KISS. Ace a écrit ces solos emblématiques, donc les entendre tous les soirs, debout juste à côté de lui, est aussi cool que possible. C'est ce qui a tracé mon chemin, et la gravité de cela ne m'échappe pas. Cela me permet de rester en contact avec mon enfant intérieur.

A part ça, quel guitariste de KISS est votre préféré et pourquoi ? Aimez-vous la programmation actuelle?

Je n'étais pas un grand fan des guitaristes autant que du groupe, mais je peux dire que Revenge est mon album sans maquillage préféré. Bob Ezrin a travaillé très dur avec Bruce [Kulick], et vous pouvez entendre les résultats. Je soutiens la gamme actuelle. KISS a une relation compliquée sur laquelle je n'ai pas à me faire une opinion. Je pense que c'est formidable qu'ils aient différentes files d'attente qui s'étendent sur 50 ans que les gens de tous âges découvrent et s'accrochent encore. Cela dit, le KISS des années 70 est mon KISS.

Quelles guitares utilisez-vous ? Vous préférez le vintage ou le neuf ?

Je travaille avec une marque appelée Vintage depuis six ans. Ils fabriquent de superbes guitares abordables, et ils ont été très bons avec moi. Certaines de leurs guitares jouent aussi bien que n'importe quelle guitare que j'ai jamais jouée. Les vintage (comme dans l'âge) sont super à jouer, mais il y a trop de risques à les retirer, et je n'ai pas le budget ou l'espace pour être collectionneur. J'ai une Gibson RD Standard de 1977 et une Cherry Sunburst Les Paul Standard de 1993 que j'aime autant. La Les Paul est celle qui m'a fait aimer les Paul et c'était ma première, que je n'ai possédée qu'en 2013. J'avais toujours gravité vers des formes de type Firebird jusqu'à ce que j'obtienne ma Les Paul. Ce sont mes deux "belles" guitares.

Quels amplis et autres équipements utilisez-vous ? Êtes-vous d'accord avec Kemper ou préférez-vous les amplis à lampes ?

Je possède un Kemper, et c'est mon ampli principal ces jours-ci. J'adore les amplis à lampes, mais leur entretien doit être un casse-tête, sans parler du poids de leur transport. J'ai travaillé avec Orange Amps pendant des années et je les utilise toujours si j'ai besoin de ce genre de chose. Je peux faire la différence dans les petites salles. Les amplis à lampes gagneront toujours. Mais dans les grandes salles, vous ne pouvez pas faire la différence au moment où cela frappe vos oreilles à travers la sonorisation. J'utilise presque exclusivement les profileurs Michael Britt. J'ai un profil Marshall '68 sur lequel je m'appuie pour la plupart des choses.

Êtes-vous un accro à la pédale? Si oui, lequel aimez-vous ?

Je ne suis pas accro à la pédale [Rires]. J'aime rester simple. Si j'en ai besoin ces jours-ci, j'aime TC Electronics en raison de sa taille et de son poids (ou de son absence). EVH a d'excellentes pédales. Electro Harmonix et Dunlop aussi. J'aime les classiques si j'en ai vraiment besoin.

Sur quelle autre musique travailles-tu ?

Ryan, Phil et moi avons enregistré un disque de 8 chansons produit par Marti Frederiksen (Aerosmith/Ozzy/Mötley Crüe) sous le nom de Rock City Machine Co. (RCMC). Ça sonne comme tous les groupes qu'on aime. Cela semble nouveau mais très familier. Le premier single, "Can't Stop the Train", est maintenant disponible sur toutes les plateformes de streaming. Les vinyles et les CD sont maintenant chez l'imprimeur. Nous prévoyons de disperser les versions uniques jusqu'à ce que nous puissions publier le produit physique.

Pouvez-vous nous dire quelque chose sur le nouveau disque d'Ace et quel sera votre rôle ?

Tout ce que je sais, c'est qu'Ace a travaillé avec Steve Brown de Trixter. Ils vivent tous les deux dans le New Jersey, pas trop loin l'un de l'autre, ce qui leur permet de travailler facilement ensemble. J'ai entendu une chanson qui était très bonne. Je ne suis pas impliqué, donc il n'y a vraiment rien que je puisse offrir à ce sujet.

Quelle est la prochaine pour vous dans toutes les voies?

Le plan est de pousser Rock City Machine Co. aussi fort et aussi loin que possible. Il y aura des spectacles en direct à l'avenir. Gene Simmons nous a envoyé un message et a exprimé son intérêt à continuer là où nous nous étions arrêtés lorsque KISS se terminera. Je ne compterai pas mes poulets avant qu'ils n'éclosent, cependant. Ace a des concerts réservés jusqu'en 2023, donc je vais continuer à jouer avec lui. Je suis toujours ouvert d'esprit parce que j'aimerais penser que le monde de KISS n'est pas la fin de la route musicale pour moi. Cela a certainement été un honneur de faire partie de leur arbre musical à deux reprises, cependant.

09.10.2023
By Andrew Daly
published 5 days ago

The down-tuning enthusiast on the making of landmark album Bloody Kisses, his criteria for good iPhone riffs and how he developed a Schecter that sounds like a down-tuned Les Paul without the mud


As far as gothic metal goes, the buck stops at Type O Negative’s lawless, atmospheric imagery that haunts the nightmares of the group's devotees.

Typo O Negative was a breath of fresh air filled with new, exciting, and darkly alternative sounds. And it was driven by the brooding figure of Kenny Hickey, a guitarist more concerned with tuning down than posturing in front of big-ass amps.

Given his predisposition to write riffs that plumb the depths of his darkest hours, you might assume that Hickey's inspiration came from The Cure, Killing Joke, or Echo & the Bunnymen. But no, Hickey's muse as a young player was decidedly glam: Ace Frehley.

"I wasn't influenced by Ace in terms of sound," Hickey says, "It was more about phrasing. I grew up seeing Ace do what he did with a smoking guitar while playing Madison Square Garden, which blew my mind. He’s like the lead guitar archetype."

"The strength in Ace's phrasing is unreal – all his leads are memorable. I can sing every one of them to this day, which rubbed off on me. It's still in me, even with the leads I'm doing today. And I love his ripping stuff; even though he's not a shredder, he's catchy, filled with melody, and exactly what a lead guitarist should be."

Kabuki-clad heroes aside, Hickey provided a form of guitar heroics in an era where predisposed notions on what a “hero” were had been kicked to the curb. Still, it took a couple of albums to get his feet wet. But Type O Negative's third record, Bloody Kisses (1993), chugged into the station with vigor.

Looking back, Hickey says, “I think Bloody Kisses is probably the definitive album as far as guitar," he says. "But I also like my work on World Coming Down and Dead Again. I'm proud of them all; they all stand up."

30 years later, Bloody Kisses remains beloved. And with good reason: the songs have aged well, and the riffs, solos, and arrangements more than hold up. As for Hickey, sure, he's proud, but far from beholden.

"I hope that I've gotten better as I've gone along," Hickey says. "You always want to get better and not worse, right? But now, I'm efficient in the studio, which was harder during Bloody Kisses because I was learning. There were no clicks back then – nobody played that way. It was all rehearsal before recording, and I'm glad I did because it made me more efficient.

"As far as tone goes," he continues, "that's something I'm always chasing. Aren't all of us guitarists doing that? I've learned to incorporate chorus and delay better, and I'd like to do a signature pedal with both. I’ll always be looking to refine and make everything I do better."

Tell me about your latest project, EYE AM.

"It formed with Johnny Kelly [drums], Kirk Windstein [vocals], Todd Strange [bass], and me. It came to be about six or seven months ago when our mutual friend started this little label [Corpse Paint Records] and said, 'I'd love to see you guys get together and come down to the studio.' We did a single about five months ago called Dreams Always Die with the Sun, and it did so fucking well. So, we hit the studio in New Orleans, doing a few more songs, and we've got music coming out in November."

What does your riff writing process look like these days?

"It's a lot of off-the-cuff stuff. I'll go into my iPhone, where thousands of voice memos are, and randomly pick. What I've been doing for years is adding any idea that comes to me as they come to me. And when I need a riff, I'll see if there's anything I can build on. Beyond that, it's a matter of throwing riff ideas around, developing them on the spot, and seeing if anything comes."

What are a few things you look for while digging around in your iPhone riff vault?

"There's a lot of riffs in there, and a lot of them are shit [laughs]. Some of them don't make sense, and I'll go, 'Oh, wow, what the hell was I thinking?' But a ton in there are awesome and stick out immediately. But even with that, I’ll check myself and say, 'Okay… is this a riff I've used already?' But I'll look for good chord progressions, things I feel I can build on. Thank God for the technology of having a smartphone!"

Do you apply that same mindset when writing solos?

"No, solos are a little different. Usually, I write the best solos in my studio, and I have the chance to improvise and play with things a million times. In doing that, I'll get a hold of a little phrase that can be catchy and cool, and I'll run with that. And then, I'll build on that phrase; from there, it's more improvisation. I may do five or six passes on a solo, then pick my favorite parts and refine them as far as tempo, phrasing, and voicing."

How did you develop your signature Schecter, the C-Q EX?

"It was more about practical usage than anything else. With that, the force is very low when tuning down, which is great because it's not even a seven-string. The other thing is that it's a baritone guitar, which makes the harmonics work better. I always run into issues with the guitar being too damn bassy, especially with [EMG] active pickups. There was too much fucking bass; I wanted to filter that low-end out and clean it up."

How did you do that?

"With my guitar, it cuts through all that and condenses everything. My struggle has always been to get a guitar that's tuned down heavy and low but doesn't have all the mud. So, it kinda sounds like a fucking Les Paul, but tuned down. It's got a mahogany body, maple neck, a Sustainiac pickup in the neck, and a Seymour Duncan that's more like a PAF in the bridge. It doesn't have all that low-end; all that has been filtered out. It's better than putting a Tube Screamer or a distortion in front of it to filter the lows out."

And how does your signature chorus pedal with Jessup Amps fit into the equation?

"That was about two years in the making. They sent me some things to check out. And they had made a bunch of small-batch pedals, but maybe only one chorus. So, they said they'd like to do a signature chorus with me, which I was into. But it was important to me to have a clean, beautiful sound, like an analog chorus that works well with distorted sounds.

"So, its circuitry is mixed, like a parallel mixer, allowing it to blend those sounds better. It's warmer, more analog, and eliminates the fizzy crap that often comes through. I'd compare it to a souped-up version of the old Boss Chorus [CE-2]. We only made 50 of them, and they sold out in two hours, but they're working on another batch now."

It's been 30 years since the release of Type O Negative's Bloody Kisses. What gear defined that record?

"Since it was in the early-'90s, I would have had a huge rack system. So, I had the rack system going, which, believe it or not, was an old A/DA. This was before they made the noisy shit; it was one of the earlier ones they made. And I had a [Fender] Quad Reverb, a product of me trying things out to figure out what worked. As far as guitars, I was playing Gibson stuff, so I woulda had a few SGs."

Was there anything on your pedalboard that remains today?

"I had a Boss Chorus [CE-2], but I have my signature chorus, so I'm not using the Boss now, but I still have it. And, like I said, the new pedal is modeled after the Boss, so the spirit remains. And I had my Ibanez Tube Screamer [TS-9], which I used when doing tuned-down stuff, so I'd throw that in front to filter out the lows. I woulda had that, and I still have it now, but with the new guitar, I don't need it like I used to."

What does Bloody Kisses mean to you in retrospect?

"It means a lot, man. It's very nostalgic for me. Musicians – and maybe more so guitarists – have this thing where they look back, hear certain songs, and take you back to certain places based on whatever effects, amps, and guitars you were using at the time. I look back on Bloody Kisses, and I feel all of that. I get a good feeling that's still connected deeply to my heart, you know?

"That album connects with me deeply because I played on it, so I'm affected. But now, I can also look at it almost like a fan, which I couldn't do when I was still close to it. I love the alternative guitar sounds on Black No. 1 (Little Miss Scare-All), and the 12-string on Christian Woman is fucking awesome. And there's ambient stuff, which equated to some dream-like moments on guitar. That's what turned me on most then and still does now."

09.10.2023 10:11:16

Par Andrew Daly
publié il y a 5 jours

Le passionné de down-tuning sur la réalisation de l'album phare Bloody Kisses, ses critères pour de bons riffs sur iPhone et comment il a développé un Schecter qui sonne comme une Les Paul down-tuning sans la boue.

En ce qui concerne le métal gothique, la responsabilité revient à l'imagerie atmosphérique et anarchique de Type O Negative qui hante les cauchemars des fidèles du groupe.

Typo O Negative était une bouffée d'air frais remplie de sons nouveaux, excitants et sombres. Et il était animé par la figure maussade de Kenny Hickey, un guitariste plus préoccupé par l'accordage que par la posture devant des amplis à gros cul.

Étant donné sa prédisposition à écrire des riffs qui sondent les profondeurs de ses heures les plus sombres, on pourrait supposer que l'inspiration de Hickey vient de The Cure, Killing Joke ou Echo & the Bunnymen. Mais non, la muse de Hickey en tant que jeune joueur était résolument glamour : Ace Frehley.

"Je n'ai pas été influencé par Ace en termes de son", dit Hickey, "C'était plutôt une question de phrasé. J'ai grandi en voyant Ace faire ce qu'il faisait avec une guitare fumante tout en jouant au Madison Square Garden, ce qui m'a époustouflé. Il est comme l'archétype de la guitare solo."

"La force du phrasé d'Ace est irréelle – tous ses leads sont mémorables. Je peux chanter chacun d'entre eux encore aujourd'hui, ce qui m'a marqué. C'est toujours en moi, même avec les leads que je fais aujourd'hui. Et j'adore ses trucs déchirants ; même s'il n'est pas un shredder, il est accrocheur, rempli de mélodie, et exactement ce qu'un guitariste principal devrait être. "

Mis à part les héros vêtus de kabuki, Hickey a fourni une forme d’héroïsme à la guitare à une époque où les notions prédisposées sur ce qu’était un « héros » avaient été rejetées. Pourtant, il lui a fallu quelques albums pour se mouiller les pieds. Mais le troisième disque de Type O Negative, Bloody Kisses (1993), est arrivé sur la station avec vigueur.

Avec le recul, Hickey déclare : « Je pense que Bloody Kisses est probablement l'album définitif en ce qui concerne la guitare », dit-il. « Mais j'aime aussi mon travail sur World Coming Down et Dead Again. Je suis fier d'eux tous; ils se lèvent tous."

30 ans plus tard, Bloody Kisses reste toujours aussi apprécié. Et pour cause : les chansons ont bien vieilli, et les riffs, solos et arrangements tiennent largement la route. Quant à Hickey, bien sûr, il est fier, mais loin d'être redevable.

"J'espère que je me suis amélioré au fur et à mesure", dit Hickey. "On veut toujours s'améliorer et non empirer, n'est-ce pas ? Mais maintenant, je suis efficace en studio, ce qui était plus difficile pendant Bloody Kisses parce que j'apprenais. Il n'y avait pas de clics à l'époque – personne ne jouait de cette façon. C'était tout répétition avant l'enregistrement, et je suis content de l'avoir fait car cela m'a rendu plus efficace.

"En ce qui concerne le son", poursuit-il, "c'est quelque chose que je recherche toujours. Est-ce que nous, les guitaristes, ne faisons pas tous ça ? J'ai appris à mieux intégrer le chorus et le delay, et j'aimerais faire une signature pédaler avec les deux. Je chercherai toujours à affiner et à améliorer tout ce que je fais.

Parlez-moi de votre dernier projet, EYE AM.

"Il s'est formé avec Johnny Kelly [batterie], Kirk Windstein [chant], Todd Strange [basse] et moi. Il y a environ six ou sept mois, notre ami commun a lancé ce petit label [Corpse Paint Records] et a dit , "J'adorerais vous voir les gars vous réunir et venir au studio." Nous avons sorti un single il y a environ cinq mois intitulé Dreams Always Die with the Sun, et il s'est vraiment bien passé. Nous sommes donc allés en studio à la Nouvelle-Orléans, en train de faire quelques chansons supplémentaires, et nous avons de la musique qui sort en novembre. "

À quoi ressemble votre processus d’écriture de riffs ces jours-ci ?

"C'est beaucoup de choses improvisées. Je vais sur mon iPhone, où se trouvent des milliers de mémos vocaux, et je les choisis au hasard. Ce que je fais depuis des années, c'est d'ajouter toute idée qui me vient au fur et à mesure qu'elle vient. " "

Quelles sont les choses que vous recherchez en fouillant dans le coffre-fort de votre iPhone ?

"Il y a beaucoup de riffs là-dedans, et beaucoup d'entre eux sont de la merde [rires]. Certains d'entre eux n'ont pas de sens, et je vais dire : 'Oh, wow, à quoi je pensais ?' Mais il y en a beaucoup qui sont géniaux et qui ressortent immédiatement. Mais même avec ça, je vais me vérifier et dire : "D'accord… est-ce un riff que j'ai déjà utilisé ?" Mais je rechercherai de bonnes progressions d'accords, des choses sur lesquelles je sens que je peux m'appuyer. Dieu merci pour la technologie d'avoir un smartphone !"

Appliquez-vous le même état d’esprit lorsque vous écrivez des solos ?

"Non, les solos sont un peu différents. Habituellement, j'écris les meilleurs solos dans mon studio et j'ai la chance d'improviser et de jouer avec les choses un million de fois. Ce faisant, je vais mettre la main sur une petite phrase qui peut être accrocheur et cool, et je vais courir avec ça. Et puis, je vais m'appuyer sur cette phrase ; à partir de là, c'est plus d'improvisation. Je peux faire cinq ou six passes sur un solo, puis choisir mes parties préférées et affiner en ce qui concerne le tempo, le phrasé et la voix.

Comment avez-vous développé votre Schecter signature, le C-Q EX ?

"C'était plus une question d'utilisation pratique qu'autre chose. Avec ça, la force est très faible lors de l'accordage, ce qui est génial car ce n'est même pas une sept cordes. L'autre chose c'est que c'est une guitare baryton, qui fait fonctionner les harmoniques. " Mieux. J'ai toujours rencontré des problèmes avec la guitare qui était trop grave, surtout avec les micros actifs [EMG]. Il y avait trop de putain de basse ; je voulais filtrer ces graves et les nettoyer. "

Comment as-tu fais ça?

"Avec ma guitare, elle coupe tout ça et condense tout. Mon combat a toujours été d'obtenir une guitare qui soit accordée avec du lourd et du grave, mais qui n'ait pas toute la boue. Donc, ça sonne un peu comme une putain de Les Paul, mais Il a un corps en acajou, un manche en érable, un micro Sustainiac dans le manche et un Seymour Duncan qui ressemble plus à un PAF dans le chevalet. Il n'a pas si bas de gamme, tout cela a été filtré. C'est mieux que de mettre un Tube Screamer ou une distorsion devant pour filtrer les graves."

Et comment votre pédale de chorus signature avec Jessup Amps s’intègre-t-elle dans l’équation ?

"Cela a duré environ deux ans. Ils m'ont envoyé quelques choses à vérifier. Et ils avaient fabriqué un tas de pédales en petits lots, mais peut-être un seul chorus. Alors, ils ont dit qu'ils aimeraient faire un chorus signature. avec moi, ce qui me plaisait. Mais il était important pour moi d'avoir un son clair et beau, comme un chorus analogique qui fonctionne bien avec les sons saturés.

"Ainsi, ses circuits sont mixés, comme un mixeur parallèle, ce qui lui permet de mieux mélanger ces sons. Il est plus chaud, plus analogique et élimine les conneries pétillantes qui en ressortent souvent. Je le comparerais à une version optimisée du vieux Boss Chorus [CE-2]. Nous n'en avons fait que 50, et ils se sont vendus en deux heures, mais ils travaillent sur un autre lot maintenant. "

Cela fait 30 ans depuis la sortie de Bloody Kisses de Type O Negative. Quel équipement a défini ce record ?

"Comme c'était au début des années 90, j'aurais eu un énorme système de rack. Donc, j'avais le système de rack en marche, qui, croyez-le ou non, était un vieil A/DA. C'était avant qu'ils ne fassent le bruyant merde ; c'était l'un des premiers qu'ils ont fabriqués. Et j'avais un [Fender] Quad Reverb, le produit de mes essais pour comprendre ce qui fonctionnait. En ce qui concerne les guitares, je jouais des trucs Gibson, donc j'aurais dû quelques SG."

Y a-t-il quelque chose qui reste aujourd’hui sur votre pédalier ?

"J'avais un Boss Chorus [CE-2], mais j'ai mon chorus signature, donc je n'utilise pas le Boss maintenant, mais je l'ai toujours. Et, comme je l'ai dit, la nouvelle pédale est calquée sur le Boss, donc l'esprit demeure. Et j'avais mon Ibanez Tube Screamer [TS-9], que j'utilisais pour faire des trucs réglés, donc je le jetais devant pour filtrer les graves. J'aurais eu ça, et je le fais toujours. je l'ai maintenant, mais avec la nouvelle guitare, je n'en ai plus besoin comme avant."

Rétrospectivement, que signifie Bloody Kisses pour vous ?

"Cela signifie beaucoup, mec. C'est très nostalgique pour moi. Les musiciens – et peut-être plus encore les guitaristes – ont ce truc où ils regardent en arrière, entendent certaines chansons et vous ramènent à certains endroits en fonction des effets, des amplis et des guitares. tu consommais à l'époque. Je repense à Bloody Kisses, et je ressens tout cela. J'ai un bon sentiment qui est toujours profondément lié à mon cœur, tu sais ?

"Cet album me touche profondément parce que j'ai joué dessus, donc je suis affecté. Mais maintenant, je peux aussi le regarder presque comme un fan, ce que je ne pouvais pas faire quand j'en étais encore proche. J'adore le des sons de guitare alternatifs sur Black No. 1 (Little Miss Scare-All), et les 12 cordes de Christian Woman sont vraiment géniales. Et il y a des trucs ambiants, qui équivalaient à des moments oniriques à la guitare. C'est ce qui m'a le plus excité. à l'époque et c'est toujours le cas aujourd'hui. »

09.10.2023 10:38:11
We take a deeper look at one of the great KISS stage guitars.
JustinBeckner [UG Writer]
2 days ago

Guitars can unquestionably be inspirational, either because of their tone, the songs they produce, or because of the way they look. Part of the reason KISS has been such an inspirational band throughout the years is the on-stage personas that presented the band as larger than life. A big part of that was the guitars they used in their act. In this article, we'll discuss one such guitar, wielded by the great Ace Frehley, known as the "Light" guitar.


The original Light Guitar started out its life as a blonde Les Paul TV from the late 50s with a routed face holding nearly 1000 incandescent lights, which were powered by a Ni-Cad battery pack. This guitar, along with many other special effect guitars from the late '70s and early '80s, was engineered by a man named John Elder Robison (in conjunction with Long Island luthier Steve Carr). John's story is rather interesting. He has a couple of books out, which make for an excellent read. He was a self-taught inventor who also worked designing toys for Milton Bradley. His books detail his life living with undiagnosed Asperger Syndrome. The guy is absolutely brilliant. He designed the circuit board controlling the lights on the guitar. Steve Carr was in charge of making the guitars functional for on-stage performances, John would design the electronics – he would also work on the laser guitar, the rocket guitar, and the smoking pickup guitar. Steve Carr also added an inlay of Ace in his makeup on the guitar's headstock.

Regarding the original Light Guitar, it made its first appearance somewhere around 1978 and had lights that were not only bright, but very warm. The lights would glow in sequences, and you could feel the heat sweep past your hand as the lights moved across the face of the guitar. A special XLR-type plug-in was back to connect a battery charger between sets. All the custom guitars for KISS back in the late '70s and early '80s were built in Massachusetts, and John Robison would go on the road to ensure they stayed working.

Today, John and his son still build light guitars, but now using LED technology, which doesn't produce as much heat or require as much power. The newer guitars feature Les Paul Custom bodies that have a carved top rather than a flat top like the original. But, in any case, the top is routed down flat just like the original and the lights are implanted in the same manner. The original found its way back to John, who rebuilt it for Ace in 2011. Ace still uses the guitar live, specifically for the song "New York Groove."

The guitar sports a lone bridge humbucker, which is most likely a DiMarzio Super Distortion (this is Ace's pickup of choice). His vintage guitars stayed stock – for example the first KISS record was recorded with a '59 Les Paul Standard with vintage PAF pickups. As for his live guitars, they pretty much all had DiMarzio Super Distortions in them.

Here's a video of John Robison showing the current version of The Light Guitar.


John Robison has done some fantastic work in the field of autism awareness. He has written several books on the subject. I highly encourage you to check them out at this location.

09.10.2023 10:54:55

Nous examinons de plus près l’une des superbes guitares de scène KISS.

Les guitares peuvent incontestablement être une source d’inspiration, soit en raison de leur sonorité, des chansons qu’elles produisent ou de leur apparence. Une partie de la raison pour laquelle KISS a été un groupe si inspirant au fil des années réside dans les personnages sur scène qui présentaient le groupe comme plus grand que nature. Une grande partie de cela était due aux guitares qu’ils utilisaient dans leur numéro. Dans cet article, nous discuterons d'une de ces guitares, maniée par le grand Ace Frehley, connue sous le nom de guitare « Light ».

La Light Guitar originale a commencé sa vie comme une télé Les Paul blonde de la fin des années 50 avec une face acheminée contenant près de 1000 lampes à incandescence, alimentées par une batterie Ni-Cad. Cette guitare, ainsi que de nombreuses autres guitares à effets spéciaux de la fin des années 70 et du début des années 80, a été conçue par un homme nommé John Elder Robison (en collaboration avec le luthier de Long Island, Steve Carr). L'histoire de John est plutôt intéressante. Il a sorti quelques livres, qui constituent une excellente lecture. C'était un inventeur autodidacte qui a également travaillé à la conception de jouets pour Milton Bradley. Ses livres détaillent sa vie avec le syndrome d'Asperger non diagnostiqué. Le gars est absolument génial. Il a conçu le circuit imprimé contrôlant les lumières de la guitare. Steve Carr était chargé de rendre les guitares fonctionnelles pour les performances sur scène, John concevrait l'électronique – il travaillerait également sur la guitare laser, la guitare fusée et la guitare pickup fumante. Steve Carr a également ajouté une incrustation d'Ace dans son maquillage sur la tête de la guitare.

En ce qui concerne la Light Guitar originale, elle a fait sa première apparition vers 1978 et avait des lumières non seulement brillantes, mais très chaleureuses. Les lumières brillaient par séquences et vous pouviez sentir la chaleur passer devant votre main lorsque les lumières se déplaçaient sur la face de la guitare. Un plug-in spécial de type XLR était de retour pour connecter un chargeur de batterie entre les postes. Toutes les guitares personnalisées de KISS à la fin des années 70 et au début des années 80 étaient fabriquées dans le Massachusetts, et John Robison partait sur la route pour s'assurer qu'elles continuaient à fonctionner.

Aujourd'hui, John et son fils fabriquent toujours des guitares lumineuses, mais en utilisant désormais la technologie LED, qui ne produit pas autant de chaleur et ne nécessite pas autant d'énergie. Les guitares les plus récentes sont dotées de corps Les Paul Custom qui ont une table sculptée plutôt qu'une table plate comme l'original. Mais, dans tous les cas, le dessus est aplati comme l'originale et les lumières sont implantées de la même manière. L'originale a été retrouvée par John, qui l'a reconstruite pour Ace en 2011. Ace utilise toujours la guitare en live, en particulier pour la chanson « New York Groove ».

La guitare arbore un seul humbucker en chevalet, qui est très probablement un DiMarzio Super Distortion (c'est le micro de choix d'Ace). Ses guitares vintage sont restées en stock – par exemple le premier disque KISS a été enregistré avec une Les Paul Standard '59 avec des micros PAF vintage. Quant à ses guitares live, elles contenaient presque toutes des super distorsions DiMarzio.

John Robison has done some fantastic work in the field of autism awareness. He has written several books on the subject. I highly encourage you to check them out at this location.

22.11.2023 07:09:01

By Andrew Daly
published about 15 hours ago

From shred titans to riff-masters to an obscure, blazing country picker he thinks every guitarist should listen to, the Mötley Crüe man names the players who forged his virtuosic, hard-charging sound.

Blistering riffs and eruptive solos aside, the most endearing thing about John 5 – born John William Lowery – is the joy he exudes while talking guitar and the players who influenced him.

It's a rare thing – especially in an age where jaded mindsets and an over-saturation of bright and shiny things reigns supreme. Somehow, though, John 5 hasn't lost the fire, nor has exhaustion set in. Instead, the early muse that set him alight remains.

“Like any kid, I loved to watch TV,” he tells Guitar World. “I thought the TV was like another member of the family, and I was rounded up in front of it all the time.”

As for the effect that had on his young mind, John 5 continues, “I'd be watching Happy Days, Laverne & Shirley, and The Brady Bunch, but it wasn't until I watched Roy Clark, Buck Owens, and Don Rich with my dad that my mind was blown. I think that would have been my first real inspiration as far as guitar. It was my epiphany to start playing.”

With the energy of a raging bull, a young John 5 focused his efforts on what he was meant to do.

“I knew this [playing guitar] was what I wanted to spend my life doing. I think the perfect way to put it is that I was obsessed. If I had a guitar lesson on a Tuesday after school, I'd stay home on Wednesday just to master that lesson and get it down.

“I was completely obsessed with guitar,” he says. “I knew it was what I was going to do. For my whole life, there was no if's, and's, or but's about it.”

John 5's enthusiasm is palatable. Moreover, his early wisdom that guitar would be his calling proved true as he made stops with the likes of David Lee Roth, Marilyn Manson, Rob Zombie, and now, Mötley Crüe.

Aside from those gigs, John 5 has done guest spots with some of rock's most legendary personalities, like Ace Frehley, Steve Perry, Sebastian Bach, and Alice Cooper, to name a few. All of this is to say that, as far as his playing goes, John 5 is decidedly ambidextrous.

“It's cheesy,” he says, “But I love music. It doesn't have to be metal, rock, or country – I just love music.”

That same love of music left John 5 with an ability to equally impact anything he touches. “I listen to so many different styles,” he says, “but I don't see them as different – I just see music. And I'm still a fan who has a true love for music. I still love to learn and study. I'm still excited to get up in the morning and play guitar.”

   I never want to stop learning. I'll be a different guitar player ten years from now than today – I'll never slow down and keep pushing myself to a level I'm happy with

These days, John 5 is taking that excitement to the stage and the studio with Mötley Crüe, jumpstarting the 40-years-strong glam titans. That energy, however, goes both ways.

“Experiencing new things, like with Mötley Crüe, keeps me inspired,” he says. “It's unbelievable that I get to share the stage and studio with these guys and share life with them, too.


“You never know what life is gonna throw at you,” he says. “All of this is an education, and I never want to stop learning. I'll be a different guitar player ten years from now than today – I'll never slow down and keep pushing myself to a level I'm happy with. I just want to experience as much as I can, and I'm experiencing a lot right now and am very thankful for it.”

During a break in the action, John 5 dialed in with Guitar World, prefacing the chat by saying, “Without these guys, the world would be a very different place,” before digging into the 10 players who shaped a career full of rowdy riffs, seething solos, gargantuan gigs, and never-ending surprises.

10. Roy Clark/Buck Owens/Don Rich
“I don't know if there's a particular order for these three guys, but like I said earlier, I love Roy Clark, Buck Owens, and Don Rich. I love all those country chicken pickers, and seeing those guys was my real life-changing experience as far as picking up guitar. I started learning those songs after seeing them on TV, and I learned all that chicken-pickin' stuff even before rock, which is strange looking back on it.”

9. Jimi Hendrix

“Seeing Jimi Hendrix just blew my mind. I was so obsessed with his playing, and it's really what got me into rock. It just seemed like Jimi Hendrix was on another level, and I remember watching a film on HBO later about Woodstock – I watched him play the Star-Spangled Banner and play with his teeth, and again, that just blew my mind. I was really into Jimi Hendrix for a very long time, and it really helped me get my sound dialed in while I learned all those songs.”

8. Chet Atkins
“Another important one for me is Chet Atkins. I was so obsessed with Chet Atkins' style – that certain style of playing the bass and the melody lines at the same time. I still love it so much even today – it's such an incredible style of playing, and it's so different from anything else that I've learned in the past. It's a very different way of playing guitar, and it's almost as if I started speaking a different language [when I learned it] because it's so different from anything else.”

7. Steve Vai

“Next, I would go with the great Steve Vai. I loved Steve Vai, and was introduced to him by reading Guitar Player and Guitar World magazine. I remember being totally blown away because this was an example of just taking it to another level. Like, what Steve Vai did with the [1984] Flex-Able record was unreal.

“It's so important to have inspiration – I think having amazing inspiration that never goes away is the most important thing in life. And what Steve Vai did with the guitar, and what he still does with the guitar, is incredible. It's really something special to me, and it had a very real effect on my life.”

6. Buckethead
“Buckethead is someone who influenced me later in life and really helped me as a touring player and as an instrumentalist. I love Buckethead's style, and he and I are very similar with the love for country, the crazy shredding, the monsters, and all that stuff. So, Buckethead was a very big inspiration to me in my later years, and he still is.

“That's what I've been saying – being inspired is so important. I hope it will never go away because I love being inspired more than anything. I love the feeling of, 'Oh, wow, that's cool. That's different. I really like and enjoy this.'”

5. Paul Gilbert

“I love Paul Gilbert. I got into him with Racer X, and I loved that first Racer X record [Street Lethal]. I was totally obsessed with it. I remember I was living in California, and I would go see every Racer X show that I could, and he would do this thing [a cover band] called Electric Fence and all these super-interesting things. I would go to everything, and I loved it. I love Paul Gilbert's playing, string skipping, arpeggios, picking, everything about it. What Paul Gilbert did really helped shape my playing a lot.”

4. Yngwie Malmsteen
“I have to include Yngwie Malmsteen. I was just obsessed with his playing and remember being blown away by him. His playing was a real game-changer because it was genius. But genius is not, 'Oh, that guy can play' – that's not genius to me. I think genius is something I can't see. And that's what Yngwie Malmsteen did – he changed everything and created this style.

“That's what genius is, it's the thing you can't see but is created. And he created something that really had an effect on me and zillions of other people all over the world.”

3. Ace Frehley

“I love Ace Frehley. He was like my Superman or Spiderman. I love, love, loved Ace as a young kid while I was learning everything. The whole vibe of Ace was something really special to me. I was so small, and Ace was just like this larger-than-life figure… I didn't even think he was a real person. I was like, 'Wow, this is just totally insane,' and was really blown away by Ace. Luckily, I still have this love for a lot of these players, and I do still have that same love for Ace.”

2. Joe Maphis
“This is a strange one, and a lot of people may not know who he is, but Joe Maphis was an amazing country picker. He had a big effect on me, and you can really hear it in a lot of my playing, especially my solos and my instrumental stuff.

“Joe Maphis was the envy of country guitar in the late '50s and throughout the '60s. He was an absolute demon on guitar, and he could pick up a mandolin and do the same thing. And then he'd put the mandolin down, pick up a banjo, and do the same thing, and then put that down, grab a stand-up bass, and do it again. It was just so unbelievable. So, if you aren't familiar with Joe Maphis, please look him up. He's something to see.”

1. Eddie Van Halen

“My number one is like a lot of other people's number one, and that's Eddie Van Halen. He's another player who fits what I was describing before with genius. Eddie created something that changed the world forever – it's very hard to explain, but it's just so unbelievable. He did that with his songwriting, amazing guitar playing, and the inventions and designs, too. I was just obsessed with his playing, like all the other guitar players in the world. Thank god we had Eddie Van Halen, that's for sure.”

22.11.2023 07:25:04

Des titans du shred aux maîtres du riff en passant par un obscur et flamboyant country picker qu'il pense que tout guitariste devrait écouter, l'homme de Mötley Crüe nomme les musiciens qui ont forgé son son virtuose et puissant.

Mis à part les riffs fulgurants et les solos éruptifs, la chose la plus attachante chez John 5 – né John William Lowery – est la joie qu'il dégage en parlant de guitare et des musiciens qui l'ont influencé.

C'est une chose rare – surtout à une époque où les mentalités blasées et une sursaturation de choses lumineuses et brillantes règnent en maître. D'une manière ou d'une autre, cependant, John 5 n'a pas perdu le feu, ni l'épuisement ne s'est installé. Au lieu de cela, la première muse qui l'a enflammé demeure.

"Comme n'importe quel enfant, j'adorais regarder la télévision", raconte-t-il à Guitar World. "Je pensais que la télévision était comme un autre membre de la famille et j'étais tout le temps rassemblé devant elle."

Quant à l'effet que cela a eu sur son jeune esprit, John 5 poursuit : "Je regarderais Happy Days, Laverne & Shirley et The Brady Bunch, mais ce n'est que lorsque j'ai regardé Roy Clark, Buck Owens et Don Rich. avec mon père que j'ai été époustouflé. Je pense que cela aurait été ma première véritable inspiration en matière de guitare. C’était ma révélation de commencer à jouer.

Avec l’énergie d’un taureau enragé, le jeune John 5 concentrait ses efforts sur ce qu’il était censé faire.

«Je savais que [jouer de la guitare] était ce que je voulais faire ma vie. Je pense que la meilleure façon de le dire est que j’étais obsédé. Si j'avais un cours de guitare un mardi après l'école, je resterais à la maison le mercredi juste pour maîtriser cette leçon et la maîtriser.

«J'étais complètement obsédé par la guitare», dit-il. «Je savais que c'était ce que j'allais faire. Durant toute ma vie, il n’y a eu ni si, ni mais.

L'enthousiasme de John 5 est acceptable. De plus, sa première idée selon laquelle la guitare serait sa vocation s'est avérée vraie lorsqu'il s'est arrêté avec des artistes comme David Lee Roth, Marilyn Manson, Rob Zombie et maintenant Mötley Crüe.

En plus de ces concerts, John 5 a réalisé des spots avec certaines des personnalités les plus légendaires du rock, comme Ace Frehley, Steve Perry, Sebastian Bach et Alice Cooper, pour n'en nommer que quelques-uns. Tout cela pour dire que, dans son jeu, John 5 est résolument ambidextre.

«C'est ringard», dit-il, «mais j'aime la musique. Il n’est pas nécessaire que ce soit du métal, du rock ou de la country – j’aime juste la musique.

Ce même amour de la musique a laissé à John 5 la capacité d’avoir un impact égal sur tout ce qu’il touche. « J'écoute tellement de styles différents, dit-il, mais je ne les vois pas comme différents – je vois juste la musique. Et je suis toujours un fan qui a un véritable amour pour la musique. J'aime toujours apprendre et étudier. J'ai toujours hâte de me lever le matin et de jouer de la guitare.

  Je ne veux jamais arrêter d'apprendre. Dans dix ans, je serai un guitariste différent de celui d'aujourd'hui – je ne ralentirai jamais et je continuerai à me pousser jusqu'à un niveau qui me satisfait.

Ces jours-ci, John 5 transporte cette excitation sur scène et en studio avec Mötley Crüe, relançant ainsi les titans glam forts de 40 ans. Cependant, cette énergie va dans les deux sens.

« Vivre de nouvelles choses, comme avec Mötley Crüe, m'inspire », dit-il. « C'est incroyable de pouvoir partager la scène et le studio avec ces gars et de partager la vie avec eux aussi.

« On ne sait jamais ce que la vie va nous réserver », dit-il. « Tout cela est une éducation et je ne veux jamais arrêter d’apprendre. Dans dix ans, je serai un guitariste différent de celui d'aujourd'hui – je ne ralentirai jamais et je continuerai à me pousser jusqu'à un niveau qui me satisfait. Je veux juste vivre autant d’expériences que possible, et j’en vis beaucoup en ce moment et j’en suis très reconnaissant.

Pendant une pause dans l'action, John 5 a contacté Guitar World, préfaçant le chat en disant : « Sans ces gars, le monde serait un endroit très différent », avant de se pencher sur les 10 joueurs qui ont façonné une carrière pleine de riffs tapageurs. , des solos bouillonnants, des concerts gargantuesques et des surprises sans fin.

10. Roy Clark/Buck Owens/Don Rich
« Je ne sais pas s'il y a un ordre particulier pour ces trois gars, mais comme je l'ai dit plus tôt, j'adore Roy Clark, Buck Owens et Don Rich. J'adore tous ces cueilleurs de poulets de campagne, et voir ces gars a été une véritable expérience qui a changé ma vie en ce qui concerne la prise de guitare. J'ai commencé à apprendre ces chansons après les avoir vues à la télévision, et j'ai appris tous ces trucs de cueillette de poulet avant même le rock, ce qui est étrange en y repensant.

9. Jimi Hendrix
« Voir Jimi Hendrix m’a époustouflé. J'étais tellement obsédé par son jeu, et c'est vraiment ce qui m'a amené au rock. Il semblait que Jimi Hendrix était à un autre niveau, et je me souviens avoir regardé un film sur HBO plus tard à propos de Woodstock – je l'ai vu jouer le Star-Spangled Banner et jouer avec ses dents, et encore une fois, cela m'a époustouflé. J'ai vraiment aimé Jimi Hendrix pendant très longtemps, et cela m'a vraiment aidé à maîtriser mon son pendant que j'apprenais toutes ces chansons.

8. Chet Atkins
« Un autre joueur important pour moi est Chet Atkins. J'étais tellement obsédé par le style de Chet Atkins – ce certain style de jouer de la basse et des lignes mélodiques en même temps. Je l'aime toujours autant, même aujourd'hui – c'est un style de jeu tellement incroyable et tellement différent de tout ce que j'ai appris dans le passé. C'est une façon très différente de jouer de la guitare, et c'est presque comme si je commençais à parler une langue différente [quand je l'ai apprise] parce qu'elle est tellement différente de toute autre langue.

7. Steve Vaï
«Ensuite, j'irais avec le grand Steve Vai. J'ai adoré Steve Vai et je lui ai été présenté en lisant les magazines Guitar Player et Guitar World. Je me souviens avoir été totalement époustouflé parce que c'était un exemple de simple passage à un autre niveau. Par exemple, ce que Steve Vai a fait avec le disque Flex-Able de 1984 était irréel.

« Il est si important d'avoir de l'inspiration – je pense qu'avoir une inspiration incroyable qui ne disparaît jamais est la chose la plus importante dans la vie. Et ce que Steve Vai a fait avec la guitare, et ce qu'il fait encore avec la guitare, est incroyable. C'est vraiment quelque chose de spécial pour moi et cela a eu un effet très réel sur ma vie.

6. Buckethead
« Buckethead est quelqu'un qui m'a influencé plus tard dans la vie et qui m'a vraiment aidé en tant que musicien en tournée et instrumentiste. J'adore le style de Buckethead, et lui et moi sommes très similaires avec l'amour de la country, le déchiquetage fou, les monstres et tout ça. Donc, Buckethead a été une très grande inspiration pour moi au cours de mes dernières années, et il l’est toujours.

« C'est ce que je dis : être inspiré est très important. J'espère que cela ne disparaîtra jamais parce que j'aime être inspiré plus que tout. J'aime le sentiment de "Oh, wow, c'est cool". C'est différent. J’aime vraiment et j’apprécie ça.'”

5. Paul Gilbert
«J'adore Paul Gilbert. Je suis tombé sur lui avec Racer X, et j'ai adoré ce premier disque de Racer X [Street Lethal]. J’en étais totalement obsédé. Je me souviens que je vivais en Californie, et j'allais voir tous les concerts de Racer X que je pouvais, et il faisait ce truc [un groupe de reprises] appelé Electric Fence et toutes ces choses super intéressantes. J'allais à tout et j'adorais ça. J'adore le jeu de Paul Gilbert, les sauts de cordes, les arpèges, le picking, tout ce qui s'y rapporte. Ce que Paul Gilbert a fait m’a vraiment beaucoup aidé à façonner mon jeu. »

4. Yngwie Malmsteen
« Je dois inclure Yngwie Malmsteen. J'étais juste obsédé par son jeu et je me souviens avoir été époustouflé par lui. Son jeu a vraiment changé la donne car il était génial. Mais le génie n'est pas : « Oh, ce type peut jouer » – ce n'est pas du génie pour moi. Je pense que le génie est quelque chose que je ne peux pas voir. Et c'est ce qu'a fait Yngwie Malmsteen : il a tout changé et a créé ce style.

« C'est ça le génie, c'est la chose qu'on ne peut pas voir mais qui est créée. Et il a créé quelque chose qui a vraiment eu un effet sur moi et sur des millions d’autres personnes partout dans le monde.

3. Ace Frehley
«J'adore Ace Frehley. Il était comme mon Superman ou Spiderman. J'aime, j'aime, j'ai adoré Ace quand j'étais jeune pendant que j'apprenais tout. Toute l’ambiance d’Ace était quelque chose de vraiment spécial pour moi. J'étais si petit, et Ace ressemblait à ce personnage plus grand que nature… Je ne pensais même pas qu'il était une vraie personne. Je me suis dit : « Wow, c'est tout simplement complètement fou » et j'ai été vraiment époustouflé par Ace. Heureusement, j’ai toujours cet amour pour beaucoup de ces joueurs, et j’ai toujours ce même amour pour Ace.

2. Joe Maphis
« C’est une question étrange, et beaucoup de gens ne savent peut-être pas qui il est, mais Joe Maphis était un formidable sélectionneur de pays. Il a eu un grand effet sur moi, et on peut vraiment l'entendre dans beaucoup de mon jeu, en particulier dans mes solos et mes trucs instrumentaux.

« Joe Maphis faisait l'envie de la guitare country à la fin des années 50 et tout au long des années 60. C'était un véritable démon à la guitare, et il pouvait prendre une mandoline et faire la même chose. Et puis il posait la mandoline, prenait un banjo et faisait la même chose, puis posait ça, prenait une contrebasse et recommenceait. C'était tellement incroyable. Donc, si vous ne connaissez pas Joe Maphis, recherchez-le. C'est quelque chose à voir.

1. Eddie Van Halen
« Mon numéro un est comme celui de beaucoup d'autres personnes, et c'est Eddie Van Halen. C'est un autre joueur qui correspond avec génie à ce que je décrivais auparavant. Eddie a créé quelque chose qui a changé le monde pour toujours – c'est très difficile à expliquer, mais c'est tellement incroyable. Il l’a fait avec ses compositions, son jeu de guitare incroyable, ainsi que ses inventions et ses designs. J’étais juste obsédé par son jeu, comme tous les autres guitaristes du monde. Dieu merci, nous avions Eddie Van Halen, c'est sûr.

30.11.2023 22:51:49
By Paul Travers( Classic Rock ) published 6 days ago

The Beatles, Bowie, Bob Dylan and Stevie Wonder have all seen covers of their songs become more popular than the original version


There’s an art to covering other people’s songs. Sometimes the reimagined version takes on a life of its own and occasionally it outsells or even eclipses the original. This is not a list making subjective calls on the artistic merits of cover versions versus the originals. Instead, here are 10 times the cover song became more popular than the original – at least in the modern streaming era. Stats on Spotify as of November 2023 were used for comparison.

Lightning bolt page divider

Nirvana - The Man Who Sold The World (1994)
The haunting title track of David Bowie’s third album, The Man Who Sold The World, was never released as a single – it was a Top 10 Bowie-produced cover by Scottish singer Lulu that first thrust the song into the mainstream. It was Nirvana’s version though, recorded live on their MTV Unplugged session, that captured the dark resonance of the original. “I was simply blown away when I found that Kurt Cobain liked my work,” Bowie said in an interview.

Joan Jett & The Blackhearts - I Love Rock ’N Roll (1981)
The Arrows were a London-based glam rock band who enjoyed their own TV series in the 1970s before fading into obscurity. They left behind this artefact however, which was unearthed by Joan Jett and became a huge global hit, topping the charts in the US, Australia and half a dozen other territories and hitting No.4 in the UK.

Jimi Hendrix Experience - All Along The Watchtower (1968)
We could almost have written a list of rock covers of Bob Dylan songs that became more well-known than the originals. The likes of Guns N’ Roses (Knockin’ On Heaven’s Door), The Byrds (Mr. Tambourine Man) and even My Chemical Romance (Desolation Row) have released versions that outperform the Dylan originals, at least on Spotify. It’s Jimi Hendrix’s distorted version of All Along The Watchtower that really took on its own life though. Dylan once wrote: "I liked Jimi Hendrix's record of this and ever since he died I've been doing it that way… Strange how when I sing it, I always feel it's a tribute to him in some kind of way.”

Guns N’ Roses – Live And Let Die (1991)
Written by Paul and Linda McCartney for the James Bond film of the same name, Live And Let Die was a genuinely huge hit for Wings. Guns N’ Roses covered the song during the sessions for their Use Your Illusion double albums at the start of the 90s. In streaming stats they gave the other fella hell, with the cover sitting on 216 million streams compared to Wings’ still impressive 144 million.

The Clash - I Fought The Law (1978)
I Fought The Law was first recorded by The Crickets after Buddy Holly’s death, but it was a 1965 cover by the Bobby Fuller Four that first made it a hit – and was the version that The Clash’s Joe Strummer and Mick Jones first heard playing on a jukebox. They turned it into an anthem of punk rebellion (also later reworked by the Dead Kennedys) and incorporated a toilet into their recording, hitting the pipes of a urinal with a hammer to emulate the sound of clanking chains.

Ace Frehley - New York Groove (1978)
The Kiss members’ late 70s solo albums were a patchy collection with guitarist Ace Frehley’s being the pick of the bunch and the only one to generate a hit single in New York Groove, originally recorded by British glam rock band Hello in 1975. “It didn’t feel like I was getting one over on the other guys in Kiss, it’s just something that happened,” Frehley told Classic Rock. “I never really listened to the other three solo records, although I did put Gene’s on once. When I heard his version of When You Wish Upon A Star I had to pull it off the turntable.”

Motley Crue – Smokin’ In The Boys Room (1985)
The original 1973 version of Smokin’ In The Boys Room by Brownsville Station was actually a bigger hit than Mötley Crüe’s cover, hitting Number 3 in the US and Canada and breaking the Top 30 in the UK. In the streaming era, not so much as da Crue have racked up a creditable 58 million-plus compared to the original’s 7.8 million streams.

Red Hot Chili Peppers - Higher Ground (1989)
The Red Hot Chili Peppers’ second first hit was a punked up cover of Stevie Wonder’s funk classic Higher Ground. In a recent interview on The Howard Stern Show, Chilis drummer Chad Smith recounted meeting Wonder and a friend asking what he thought of the cover. “I liked the publishing cheques,” the soul legend deadpanned.

Joe Cocker - With a Little Help From My Friends (1969)
Sheffield belter Joe Cocker completely reworked With a Little Help from My Friends, turning the jaunty Beatles album track – sung by Ringo Starr on the original – into a slower, grittier soul standard. Cocker got a little help on his recording from the likes of Jimmy Page and Procol Harum's BJ Wilson and it propelled him to near instant stardom. On Cocker’s death, Paul McCartney said the cover was “just mind blowing”, adding that he had “totally turned the song into a soul anthem”.

Metallica - Whiskey In The Jar (1998)
We know, we know, Thin Lizzy didn’t write this Irish trad song or even record it first. There were numerous versions including takes by The Highwaymen and The Dubliners, but Thin Lizzy’s became the standard and the version that Metallica clearly took inspiration from. Many would say the Irish rockers’ 1972 recording remains the definitive version but in terms of streaming alone Metallica very much have the advantage with 396 million streams compared to Lizzy’s 86 million.

30.11.2023 22:56:54

C’est tout un art de reprendre les chansons des autres. Parfois, la version réinventée prend sa propre vie et parfois elle surpasse, voire éclipse, l'original. Il ne s’agit pas d’une liste d’appels subjectifs aux mérites artistiques des versions de couverture par rapport aux originaux. Au lieu de cela, voici 10 fois où la reprise est devenue plus populaire que l’originale – du moins à l’ère moderne du streaming. Les statistiques sur Spotify en novembre 2023 ont été utilisées à des fins de comparaison.

Nirvana - The Man Who Sold The World (1994)
Le titre obsédant du troisième album de David Bowie, The Man Who Sold The World, n’est jamais sorti en single – c’est une reprise du Top 10 Bowie produite par la chanteuse écossaise Lulu qui a propulsé la chanson dans le courant dominant. C’est cependant la version de Nirvana, enregistrée en direct lors de leur session MTV Unplugged, qui a capturé la résonance sombre de l’original. "J'ai été tout simplement époustouflé quand j'ai découvert que Kurt Cobain aimait mon travail", a déclaré Bowie dans une interview.

Joan Jett et les Blackhearts - I Love Rock ’N Roll (1981)
The Arrows était un groupe de glam rock basé à Londres qui jouait sa propre série télévisée dans les années 1970 avant de sombrer dans l'obscurité. Ils ont cependant laissé derrière eux cet artefact, qui a été découvert par Joan Jett et est devenu un énorme succès mondial, en tête des charts aux États-Unis, en Australie et dans une demi-douzaine d'autres territoires et en atteignant la quatrième place au Royaume-Uni.

Expérience Jimi Hendrix - All Along The Watchtower (1968)
Nous aurions presque pu écrire une liste de reprises rock de chansons de Bob Dylan devenues plus connues que les originales. Des groupes comme Guns N' Roses (Knockin' On Heaven's Door), The Byrds (Mr. Tambourine Man) et même My Chemical Romance (Desolation Row) ont publié des versions qui surpassent les originaux de Dylan, du moins sur Spotify. Mais c’est la version déformée de All Along The Watchtower de Jimi Hendrix qui a vraiment pris sa propre vie. Dylan a écrit un jour : "J'ai aimé le disque de Jimi Hendrix et depuis sa mort, je le fais de cette façon... C'est étrange comme quand je le chante, j'ai toujours l'impression que c'est un hommage qui lui est rendu d'une manière ou d'une autre."

Guns N'Roses – Live And Let Die (1991)
Écrit par Paul et Linda McCartney pour le film de James Bond du même nom, Live And Let Die a été un véritable succès pour Wings. Guns N' Roses a repris la chanson lors des sessions de leurs doubles albums Use Your Illusion au début des années 90. Dans les statistiques de streaming, ils ont donné l’enfer à l’autre gars, avec la couverture assise sur 216 millions de flux contre 144 millions, toujours impressionnants, pour Wings.

The Clash - I Fought The Law (1978)
I Fought The Law a été enregistré pour la première fois par The Crickets après la mort de Buddy Holly, mais c'est une reprise de 1965 des Bobby Fuller Four qui en a fait un succès - et c'est la version que Joe Strummer et Mick Jones de The Clash ont entendu pour la première fois jouer sur un disque. juke-box. Ils en ont fait un hymne de rébellion punk (également retravaillé plus tard par les Dead Kennedys) et ont incorporé des toilettes dans leur enregistrement, frappant les tuyaux d'un urinoir avec un marteau pour imiter le bruit des chaînes qui claquent.

Ace Frehley - New York Groove (1978)
Les albums solo des membres de Kiss à la fin des années 70 constituaient une collection inégale, le guitariste Ace Frehley étant le choix du groupe et le seul à générer un single à succès dans New York Groove, initialement enregistré par le groupe de glam rock britannique Hello en 1975. "Je n'ai pas l'impression de prendre le dessus sur les autres gars de Kiss, c'est juste quelque chose qui s'est produit", a déclaré Frehley à Classic Rock. « Je n’ai jamais vraiment écouté les trois autres disques solo, même si j’ai mis celui de Gene une fois. Quand j’ai entendu sa version de When You Wish Upon A Star, j’ai dû la retirer de la platine.

Motley Crue – Smokin’ In The Boys Room (1985)
La version originale de 1973 de Smokin' In The Boys Room de Brownsville Station a en fait été un succès plus important que la reprise de Mötley Crüe, atteignant la troisième place aux États-Unis et au Canada et brisant le Top 30 au Royaume-Uni. À l’ère du streaming, Da Crue n’a pas accumulé plus de 58 millions de streams, contre 7,8 millions de streams pour l’original.

Red Hot Chili Peppers - Higher Ground (1989)
Le deuxième premier succès des Red Hot Chili Peppers était une reprise punk du classique funk de Stevie Wonder, Higher Ground. Dans une récente interview sur The Howard Stern Show, le batteur des Chilis, Chad Smith, a raconté avoir rencontré Wonder et un ami lui demandant ce qu'il pensait de la couverture. «J'ai aimé les chèques d'édition», a déclaré la légende de la soul, impassible.

Joe Cocker - With a Little Help From My Friends (1969)
Le chanteur de Sheffield, Joe Cocker, a complètement retravaillé With a Little Help from My Friends, transformant le morceau enjoué de l'album des Beatles – chanté par Ringo Starr sur l'original – en un standard soul plus lent et plus granuleux. Cocker a reçu un peu d'aide pour son enregistrement de la part de Jimmy Page et de BJ Wilson de Procol Harum et cela l'a propulsé vers une célébrité quasi instantanée. À la mort de Cocker, Paul McCartney a déclaré que la reprise était « tout simplement époustouflante », ajoutant qu'il avait « totalement transformé la chanson en un hymne soul ».

Metallica - Whiskey In The Jar (1998)
Nous savons, nous savons que Thin Lizzy n’a pas écrit cette chanson traditionnelle irlandaise ni même ne l’a enregistrée en premier. Il y avait de nombreuses versions, y compris des reprises de The Highwaymen et The Dubliners, mais celle de Thin Lizzy est devenue le standard et la version dont Metallica s'est clairement inspirée. Beaucoup diraient que l’enregistrement des rockers irlandais de 1972 reste la version définitive, mais en termes de streaming seul, Metallica a largement l’avantage avec 396 millions de streams contre 86 millions pour Lizzy.

30.11.2023 23:05:33

A titre perso, j'adore la version de David Bowie, ne connaîs pas celle de Nirvana... Idem pour The Wings, et ne connais pas la version des Guns... Idem pour The Beatles et ne connais pas non plus la version Joe Cocker !

Petite visite dans son ancienne baraque du connecticut

30.01.2024 18:26:38
By Andrew Daly
published about 17 hours ago
With the ability to create seemingly unending deep pockets, Wyse has landed gigs with Ozzy Osbourne, Ace Frehley, Tal Bachman, The Cult, and, most recently, the Hollywood Vampires

With the ability to create seemingly unending deep pockets filled with sub-hooks, Chris Wyse has landed gigs with Ozzy Osbourne, Ace Frehley, Tal Bachman, The Cult, and, most recently, the Hollywood Vampires, making for a hearty resume.

And while his climb to the top of the bass-playing mountain was long and hard, he felt he was destined to make it from the start. “I had a strong sense that I’d play music for a living, and I had an even stronger drive,” he tells Bass Player.

“So I made some recordings, which made their way to Mike Varney, who wrote some very nice things about me. He said I was one of the finest two-hand tappers he’d ever heard – which was amazing as I was only 17, and I’d been playing for just three years. It was like the gods had confirmed my intuition was right.”

Wyse’s chops landed him exposure in mags like Guitar Player when he was 17 and Guitar for the Practicing Musician when he was 20; but things didn’t really kick off until he made his way to L.A.

“As an up-and-coming player, the big thing was being able to lay down grooves and do so tastefully,” he says. “I did my best to dress songs up like a Christmas tree to where there was a theme.”
That ability to dress songs up has served Wyse well, while giving him the opportunity to play alongside some of rock and metal's finest – and it nearly scored him a spot in Metallica, leading to a well-known audition (more on that later).

These days, when he’s not working on his bass-centric solo work, Wyse is currently holding down the low end for the Hollywood Vampires, who wrapped up an extensive tour at the end of 2023.
Given that he's served under Ace Frehley, it’s no surprise he’s been able to lock in so well with Joe Perry. “With Joe and Ace, you just have to let them do what they do and lay down a solid, groovy, powerful and dynamic rhythm,” Wyse says.

“If you create that bed, they’ll layer all sorts of things over the top and create some real excitement. What they do isn’t precise – there’s some sloppiness – but they both know how to create a wide sound. It’s amazing to watch them do what they do; it’s unlike anyone else.”

Can you remember what first inspired you to pick up the bass?

“When I was young many of my friends played guitar and drums, and I was looking for my instrument. I wanted to play music – I was into a lot of hard rock bands – but I didn’t know what I wanted to play. I got into everything from The Beatles to Led Zeppelin to Rush, but that didn’t spark me to pick up the bass.

“My friends wanted me to play bass in their band, and around then I heard Iron Maiden’s The Number of the Beast. That was an eye-opener because Steve Harris showed me that the bass could be very diverse and almost athletic as an instrument. That’s how I found my instrument.”

Can you remember your first bass?

“It was a Gibson Ripper L-9S. It was honey-blonde colored. I regret getting rid of it to this day – it was such a cool bass, man!”

And how about your first proper bass rig?

“I remember getting an Ibanez Roadstar II bass with a maple neck. I liked it because it was closer to a Fender P-Bass, which I really wanted. I drove that Ibanez into the ground until the neck was unplayable and totally shot. That bass got me into tapping and soloing like Eddie Van Halen, who greatly influenced me.

“I also remember having a Kubicki Ex Factor bass with a Steinberger TransTrem bridge. I had all kinds of stuff, but the P-Bass is what I related to most. I found this guy with a ’54 Tele neck bass, and I put that neck on my ’95 P-Bass body and put a DiMarzio J pickup in there, along with a Quarter Pound T pickup. That’s been my number one since the ‘90s – makes it onto every record.”

Speaking of the ‘90s, can you remember recording Tal Bachman’s hit, She’s So High?

“I would have been using the ’54 Tele neck Frankenstein bass. Bob Rock loved the sound of that bass, and even though he had all sorts of bass guitars in the studio, that bass kept coming up because it just has this special thing. The neck has a lot to do with it, but maybe there's some kind of resonance in the wood, too – I don't know.

“Anyway, I remember Tal’s demos featured some different stuff, so I took some chances by playing some riffs more melodically, and they loved it. The big thing was that I worked hard to respect the song – make it pop and create excitement. I might have added some arpeggiated things, which made it pop.”

From there, you hooked up with The Cult, who had an established sound. How did you put your stamp on things?

“The first album I did with The Cult was Beyond Good and Evil, which came when they were getting into heavier and more detuned stuff. I used an overdriven tone on that record, which is my signature. I found a frequency and tone out of this Tech 21 SansAmp, then split it with a clean tone, and I got this amazing sound.

“The tones I brought were nothing like The Cult ever had before – I think many people think it’s a guitar, but it’s me on bass. It was very exciting to jump in and affect things by doing what came naturally to me. That whole opportunity came through Bob Rock, who thought I’d be good for the role. He was right!”

« “I found a frequency and tone out of this Tech 21 SansAmp, then split it with a clean tone, and I got this amazing sound…The tones I brought were nothing like The Cult ever had before”

And it was Bob who also got you the audition with Metallica after Jason Newsted left, right?

“Yeah. But the thing with that was Metallica had pretty much figured out that they wanted to go with Robert Trujillo. Bob said, ‘Hey, there’s another guy who can play with his fingers and do all the Cliff Burton stuff.’ The guys in Metallica had heard that Cult record; they liked my tone and were into my playing so they say, ‘Yeah, this guy has something. Let’s have him come in.’

“I was there for several hours. I was very comfortable because of Bob and his engineers, all of whom I knew and had worked with. I knew I could play all the finger stuff like Cliff, and maybe even add some stuff that would be new and fresh because of my crushing tone.

“They wanted Robert – but after me, they took a few weeks, so I must have made an impression on them because they had to think about it.”

Why do you feel they didn’t choose you?

“I think they thought I was still a young kid at that point, you know? I understood – and maybe I was. But I still felt comfortable. In the end, Kirk Hammett called me, saying, ‘We’re gonna go with Robert, who’s been a friend for a long time. But since Robert is leaving Ozzy to join us, maybe you'd be into it?’
“I was into it, but then Kirk called me back about an hour later, saying, ‘Man, you won’t believe it, Jason Newsted is joining Ozzy. He got the gig!’”

You did eventually join Ozzy later. Was it a challenge coming in behind the many great players he’d utilized previously?

“No, it was very natural because I’m a Geezer Butler and Bob Daisley guy. I grew up on that stuff and understood how to jump into that mix. The two Ozzy Osbourne releases I did, Under Cover and Prince of Darkness, were so much fun and natural. All these sinister riffs flowed out of me, and when we played live, I could interpret those classic songs. It was a lot of fun with Ozzy and a dream come true.”

Given Ace Frehley’s freewheeling nature, was it a challenge to get in sync with him?

“I was always a big Kiss fan; they were a huge part of my early excitement for hard rock music. Those ‘70s Kiss records blew my mind! Our version of Ace’s band – me, Richie Scarlet [guitar] and Scot Coogan [drums] – really pulled it all together. That lineup was so bombastic and trapped in a moment in time. We were tight as can be, man.”

What do you think made that lineup so special?

“There’s always an element of rock ’n’ roll danger with Ace. We were just so solid and bombastic. We really had it together and it didn’t need to be polished. I think the energy of that lineup was amazing, but we always knew it wouldn’t last. I got to a point where I was at a crossroads: I had an offer to join the Hollywood Vampires, which, despite how much I loved playing with Ace – who had a ton of plans – I couldn’t turn down.”

How did the Hollywood Vampires gig present itself?

“I had been on tour with Ace, opening for Alice Cooper. Ace and Alice’s band were good friends and I became great friends with Tommy Henriksen, who’s also a member of the Vampires.

“The Vampires had Robert DeLeo, who was going to do Stone Temple Pilots again, and then they got Duff McKagan, but Guns N' Roses got back together again, so he was out. Tommy was talking to me about all this and he goes, ‘We’re looking for a guy.’ I totally didn’t get it, and suddenly I was like, ‘Oh God, you’re talking about me!’

“It took a while – but eight months later I got a call and was asked to join the Hollywood Vampires. It made sense because I’d also worked with Joe in his Joe Perry Project band. It felt natural.”

How did Ace take it?

“Honestly, he was fine; around that time he’d said, ‘Look, I’m gonna start using Gene Simmons’ band,’ and I had the Vampires, so there was no conflict.

“Ace and I are forever bonded as friends. I spent so much time with him, and when I had my hernia surgery, he actually drove me there and took care of me after, and even bought me food while I stayed with him for two weeks. I’ll forever be proud of my time with Ace and my little Kiss chapter.”

In addition to the Vampires you've got your solo work. What’s next?

“The guys in the Vampires are prolific writers, and watching people be so consistently creative is inspiring. We’re releasing a filmed concert that we did in Boston, and there will be some behind-the-scenes stuff, which is cool because we’re very powerful and tight now. I’m excited for people to witness us at this stage because we've worked hard to get here.

“As for my solo stuff, I’ve put my band, Owl, on hold and I’m working on some solo, bass-centric stuff. I’ve got six tracks up online so far for people to check out. It’s gothic-sounding, bass-heavy and has a lot of layering. I’ve got a song about Jack the Ripper – I’m exploring some new ground. It’s not traditional stuff; it differs from Owl, but I’m very excited to share it with people.”

30.01.2024 18:32:02
Avec la capacité de créer des poches profondes apparemment sans fin remplies de sous-crochets, Chris Wyse a décroché des concerts avec Ozzy Osbourne, Ace Frehley, Tal Bachman, The Cult et, plus récemment, les Hollywood Vampires, ce qui lui donne un CV copieux.

Et même si son ascension vers le sommet de la montagne des bassistes a été longue et difficile, il sentait qu'il était destiné à y parvenir dès le départ. "J'avais le fort sentiment que je jouerais de la musique pour gagner ma vie, et j'avais une motivation encore plus forte", a-t-il déclaré à Bass Player.

« J’ai donc fait quelques enregistrements, qui ont été transmis à Mike Varney, qui a écrit de très belles choses sur moi. Il a dit que j’étais l’un des meilleurs tappers à deux mains qu’il ait jamais entendu – ce qui était incroyable puisque je n’avais que 17 ans et que je jouais depuis seulement trois ans. C’était comme si les dieux avaient confirmé que mon intuition était juste.

Les talents de Wyse lui ont valu d'être exposé dans des magazines comme Guitar Player quand il avait 17 ans et Guitar for the Practicing Musician quand il avait 20 ans ; mais les choses n'ont vraiment démarré que lorsqu'il s'est rendu à Los Angeles.

"En tant que joueur prometteur, l'essentiel était d'être capable de créer des grooves et de le faire avec goût", dit-il. "J'ai fait de mon mieux pour habiller les chansons comme un sapin de Noël là où il y avait un thème."

Cette capacité à habiller les chansons a bien servi Wyse, tout en lui donnant l'opportunité de jouer aux côtés de certains des meilleurs du rock et du métal – et cela lui a presque valu une place dans Metallica, menant à une audition bien connue (nous en parlerons plus tard).

Ces jours-ci, lorsqu’il ne travaille pas sur son travail solo centré sur la basse, Wyse tient actuellement le bas du spectre pour les Hollywood Vampires, qui ont terminé une longue tournée fin 2023.

Étant donné qu’il a servi sous les ordres d’Ace Frehley, il n’est pas surprenant qu’il ait si bien réussi à s’enfermer avec Joe Perry. "Avec Joe et Ace, il suffit de les laisser faire ce qu'ils font et de créer un rythme solide, groovy, puissant et dynamique", explique Wyse.

« Si vous créez ce lit, ils superposeront toutes sortes de choses par-dessus et créeront une véritable excitation. Ce qu’ils font n’est pas précis – il y a une certaine négligence – mais ils savent tous les deux créer un son large. C’est incroyable de les voir faire ce qu’ils font ; cela ne ressemble à personne d’autre.

Vous souvenez-vous de ce qui vous a inspiré pour la première fois à jouer de la basse ?
« Quand j'étais jeune, beaucoup de mes amis jouaient de la guitare et de la batterie, et je cherchais mon instrument. Je voulais jouer de la musique – j’étais dans beaucoup de groupes de hard rock – mais je ne savais pas ce que je voulais jouer. Je me suis intéressé à tout, des Beatles à Led Zeppelin en passant par Rush, mais cela ne m'a pas incité à reprendre la basse.
« Mes amis voulaient que je joue de la basse dans leur groupe, et à cette époque-là, j’ai entendu The Number of the Beast d’Iron Maiden. Cela m’a ouvert les yeux, car Steve Harris m’a montré que la basse pouvait être un instrument très diversifié et presque athlétique. C’est comme ça que j’ai trouvé mon instrument.

Vous souvenez-vous de votre première basse ?
«C'était une Gibson Ripper L-9S. Elle était de couleur blond miel. Je regrette de m'en débarrasser encore aujourd'hui – c'était une basse tellement cool, mec !

Et que diriez-vous de votre premier véritable équipement de basse ?
«Je me souviens avoir acheté une basse Ibanez Roadstar II avec un manche en érable. Je l'ai aimé parce qu'il était plus proche d'un Fender P-Bass, ce que je voulais vraiment. J'ai enfoncé cette Ibanez dans le sol jusqu'à ce que le manche soit injouable et totalement abattu. Cette basse m'a amené à faire des tapotements et à jouer en solo comme Eddie Van Halen, qui m'a beaucoup influencé.

«Je me souviens aussi d'avoir eu une basse Kubicki Ex Factor avec un chevalet Steinberger TransTrem. J'avais toutes sortes de trucs, mais le P-Bass est ce qui m'a le plus marqué. J'ai trouvé ce type avec une basse à manche Tele '54, et j'ai mis ce manche sur mon corps de P-Bass '95 et j'y ai mis un micro DiMarzio J, ainsi qu'un micro Quarter Pound T. C’est mon numéro un depuis les années 90 – il figure sur tous les disques.

En parlant des années 90, vous souvenez-vous d’avoir enregistré le tube de Tal Bachman, She’s So High ?
« J’aurais utilisé la basse Frankenstein Tele neck ’54. Bob Rock adorait le son de cette basse, et même s'il avait toutes sortes de guitares basses en studio, cette basse revenait sans cesse parce qu'elle avait ce truc spécial. Le manche y est pour beaucoup, mais peut-être qu'il y a aussi une sorte de résonance dans le bois – je ne sais pas.

« Quoi qu’il en soit, je me souviens que les démos de Tal contenaient des trucs différents, alors j’ai pris quelques risques en jouant certains riffs de manière plus mélodique, et ils ont adoré. Le plus important, c'est que j'ai travaillé dur pour respecter la chanson – la rendre pop et créer de l'enthousiasme. J’aurais peut-être ajouté quelques éléments arpégés, ce qui l’a fait ressortir.

À partir de là, vous avez rencontré The Cult, qui avait un son bien établi. Comment avez-vous apposé votre empreinte sur les choses ?
« Le premier album que j’ai fait avec The Cult était Beyond Good and Evil, qui est arrivé alors qu’ils se lançaient dans des trucs plus heavy et plus désaccordés. J'ai utilisé un ton saturé sur ce disque, ce qui est ma signature. J'ai trouvé une fréquence et un son à partir de ce Tech 21 SansAmp, puis je les ai divisés avec un son clair, et j'ai obtenu ce son incroyable.

« Les sons que j’ai apportés n’avaient rien à voir avec The Cult auparavant – je pense que beaucoup de gens pensent que c’est une guitare, mais c’est moi à la basse. C’était très excitant de pouvoir intervenir et influencer les choses en faisant ce qui me venait naturellement. Cette opportunité est venue de Bob Rock, qui pensait que je serais bon pour le rôle. Il avait raison!"

« « J'ai trouvé une fréquence et un son à partir de ce Tech 21 SansAmp, puis je les ai divisés avec un son clair, et j'ai obtenu ce son incroyable… Les sons que j'ai apportés n'avaient rien à voir avec ce que The Cult avait jamais eu auparavant »

Et c'est Bob qui vous a également offert l'audition avec Metallica après le départ de Jason Newsted, n'est-ce pas ?
"Ouais. Mais le truc, c'est que Metallica avait à peu près compris qu'ils voulaient aller avec Robert Trujillo. Bob a dit : « Hé, il y a un autre gars qui peut jouer avec ses doigts et faire tous les trucs de Cliff Burton. » Les gars de Metallica avaient entendu cet album de Cult ; ils ont aimé mon ton et étaient passionnés par mon jeu, alors ils ont dit : « Ouais, ce type a quelque chose. Faisons-le entrer.

«J'y suis resté plusieurs heures. J'étais très à l'aise grâce à Bob et à ses ingénieurs, que je connaissais et avec qui j'avais travaillé. Je savais que je pouvais jouer tous les trucs avec les doigts comme Cliff, et peut-être même ajouter des trucs qui seraient nouveaux et frais grâce à mon ton écrasant.
"Ils voulaient Robert – mais après moi, ils ont mis quelques semaines, donc j'ai dû les impressionner parce qu'ils devaient y réfléchir."

Pourquoi pensez-vous qu’ils ne vous ont pas choisi ?
« Je pense qu’ils pensaient que j’étais encore un jeune enfant à ce moment-là, tu sais ? J’ai compris – et peut-être que je l’étais. Mais je me sentais toujours à l'aise. Finalement, Kirk Hammett m’a appelé et m’a dit : « Nous allons y aller avec Robert, qui est un ami de longue date. Mais puisque Robert quitte Ozzy pour nous rejoindre, peut-être seriez-vous intéressé ?

« J’étais dedans, mais Kirk m’a rappelé environ une heure plus tard pour me dire : ‘Mec, tu ne le croiras pas, Jason Newsted rejoint Ozzy. Il a eu le poste ! »

Vous avez finalement rejoint Ozzy plus tard. Était-ce un défi de venir derrière les nombreux grands joueurs qu’il avait utilisés auparavant ?
«Non, c'était très naturel parce que je suis un gars de Geezer Butler et Bob Daisley. J’ai grandi avec ce genre de choses et j’ai compris comment me lancer dans ce mélange. Les deux albums d'Ozzy Osbourne que j'ai réalisés, Under Cover et Prince of Darkness, étaient tellement amusants et naturels. Tous ces riffs sinistres sortaient de moi, et quand nous jouions en live, je pouvais interpréter ces chansons classiques. C'était très amusant avec Ozzy et un rêve devenu réalité.

Étant donné la nature libre d’Ace Frehley, était-ce un défi de se synchroniser avec lui ?
«J'ai toujours été un grand fan de Kiss; ils ont été une grande partie de mon enthousiasme précoce pour la musique hard rock. Ces disques Kiss des années 70 m’ont époustouflé ! Notre version du groupe d’Ace – moi, Richie Scarlet [guitare] et Scot Coogan [batterie] – a vraiment réussi à tout mettre en place. Cette programmation était si grandiloquente et piégée dans un instant. Nous étions aussi serrés que possible, mec.

Selon vous, qu’est-ce qui a rendu cette programmation si spéciale ?
« Il y a toujours un élément de danger rock’n’roll avec Ace. Nous étions tellement solides et grandiloquents. Nous l’avions vraiment ensemble et il n’avait pas besoin d’être peaufiné. Je pense que l’énergie de cette formation était incroyable, mais nous avons toujours su que cela ne durerait pas. J’en suis arrivé à un point où j’étais à la croisée des chemins : on m’a proposé de rejoindre les Hollywood Vampires, et malgré combien j’adorais jouer avec Ace – qui avait une tonne de projets – je ne pouvais pas refuser.

Comment s’est présenté le concert des Hollywood Vampires ?
«J'étais en tournée avec Ace, en première partie d'Alice Cooper. Le groupe d’Ace et Alice étaient de bons amis et je suis devenu très ami avec Tommy Henriksen, qui est également membre des Vampires.

« Les Vampires avaient Robert DeLeo, qui allait refaire Stone Temple Pilots, puis ils ont eu Duff McKagan, mais Guns N' Roses s'est à nouveau réuni, donc il était absent. Tommy me parlait de tout ça et il a dit : « Nous cherchons un gars. » Je n'ai absolument pas compris, et tout d'un coup, je me suis dit : « Oh mon Dieu, tu parles de moi !

«Cela a pris du temps, mais huit mois plus tard, j'ai reçu un appel et on m'a demandé de rejoindre les Hollywood Vampires. C’était logique parce que j’avais également travaillé avec Joe dans son groupe Joe Perry Project. Cela semblait naturel.

Comment Ace l’a-t-il pris ?
« Honnêtement, il allait bien ; à cette époque, il avait dit : « Écoutez, je vais commencer à utiliser le groupe de Gene Simmons » et j’avais les Vampires, donc il n’y avait pas de conflit.

«Ace et moi sommes toujours liés en tant qu'amis. J'ai passé tellement de temps avec lui, et quand j'ai subi une opération pour une hernie, il m'a conduit là-bas et a pris soin de moi après, et m'a même acheté à manger pendant que je restais avec lui pendant deux semaines. Je serai toujours fier de mon temps avec Ace et de mon petit chapitre Kiss.

En plus des Vampires, vous avez votre travail solo. Et après?
« Les gars des Vampires sont des écrivains prolifiques, et voir les gens être si constamment créatifs est inspirant. Nous sortons un concert filmé que nous avons fait à Boston, et il y aura des trucs en coulisses, ce qui est cool parce que nous sommes très puissants et soudés maintenant. Je suis ravi que les gens nous voient à ce stade parce que nous avons travaillé dur pour en arriver là.

« En ce qui concerne mes trucs solo, j’ai mis mon groupe, Owl, en attente et je travaille sur des trucs solo centrés sur la basse. Jusqu’à présent, j’ai six titres en ligne que les gens peuvent découvrir. Il a un son gothique, beaucoup de basses et comporte de nombreuses superpositions. J’ai une chanson sur Jack l’Éventreur – j’explore un nouveau terrain. Ce n’est pas quelque chose de traditionnel ; c’est différent de Owl, mais je suis très excité de le partager avec les gens.

04.02.2024
By Fraser Lewry( Classic Rock ) published 3 days ago

Well before she was a global superstar and an economic goliath, Taylor Swift was a mere support act with an Ace Frehley costume

Pop icon Taylor Swift may be the music world's biggest superstar – her current Eras tour is projected to gross over $1billion, which is more than the annual GDP of Samoa – but there was a time when Swift was a mere support act.

Back in 2009, Swift supported county star Keith Urban at nine shows on his Escape Together World Tour, a 69-date affair that visited precisely three of the world's 195 countries.

There's a long-established tradition for touring bands to prank each other as a run of dates comes to a finish, and Swift and didn't disappoint. On August 8, the tour rolled into Kansas City, MO, for a show at the 18,000-capacity Sprint Center. Swift played a 10-song song set, her last of the tour. Urban followed, mixing his own songs with covers of Bo Diddley's Who Do You Love? and Journey's Open Arms. And then, during Kiss A Girl – a US top three hit for Urban earlier in the year – Swift and her band made their move, crashing the stage dressed as Kiss.

It's not a half-hearted invasion. The pop pranksters sport face paint, platform boots, spectacular wigs and the tightest of pants. Swift has come as Ace Frehley, complete with custom hair, Spaceman make-up and what looks very much like the officially licensed Love Gun costume, available now from the Kiss Replicas website.

The musicians stay onstage for the remainder of the song, miming gleefully and aping Kiss's onstage posturing, before Swift removes her wig at the death and tosses her hair, perhaps so that those in attendance can confirm that, yes, it's actually her.

This wasn't Swift's first excursion into the realm of hard rock: the previous year, she appeared with Def Leppard on CMT's hugely popular TV show Crossroads, which paired country music stars with artists from other genres. Joe Elliott and Co.  collaborated with Swift and her band on 11 songs on the night, including Leppard's Photograph, Hysteria, When Love And Hate Collide, Pour Some Sugar On Me, Love and Two Steps Behind.

“People were looking at us like we had three heads when we announced we were going to do this TV show with Taylor Swift,” Elliott told Classic Rock. “The point is to get two extremely opposite artists performing on it… We just saw it as an opportunity to do something different. And it was phenomenal fun.”

04.02.2024
Bien avant d'être une superstar mondiale et un goliath économique, Taylor Swift n'était qu'un simple groupe de soutien avec un costume d'Ace Frehley.

L'icône pop Taylor Swift est peut-être la plus grande superstar du monde de la musique – sa tournée Eras actuelle devrait rapporter plus d'un milliard de dollars, soit plus que le PIB annuel des Samoa – mais il fut un temps où Swift n'était qu'un simple acte de soutien.

En 2009, Swift a soutenu la star du comté Keith Urban lors de neuf concerts de sa tournée mondiale Escape Together, une aventure de 69 dates qui a visité précisément trois des 195 pays du monde.

Il existe une tradition établie de longue date selon laquelle les groupes en tournée se font des farces à la fin d'une série de dates, et Swift n'a pas déçu. Le 8 août, la tournée s'est déroulée à Kansas City, dans le Missouri, pour un spectacle au Sprint Center, d'une capacité de 18 000 places. Swift a joué un set de 10 chansons, sa dernière de la tournée. Urban a suivi, mélangeant ses propres chansons avec des reprises de Who Do You Love? de Bo Diddley. et les bras ouverts de Journey. Et puis, pendant Kiss A Girl – un des trois meilleurs succès américains pour Urban plus tôt dans l'année – Swift et son groupe ont fait leur saut, s'écrasant sur scène habillés en Kiss.

Ce n’est pas une invasion sans enthousiasme. Les farceurs pop arborent du maquillage, des bottes à plateforme, des perruques spectaculaires et des pantalons des plus serrés. Swift est venu sous le nom d'Ace Frehley, avec des cheveux personnalisés, un maquillage Spaceman et ce qui ressemble beaucoup au costume sous licence officielle Love Gun, disponible dès maintenant sur le site Web Kiss Replicas.

Les musiciens restent sur scène pour le reste de la chanson, mimant joyeusement et imitant la posture de Kiss sur scène, avant que Swift n'enlève sa perruque à la mort et ne jette ses cheveux, peut-être pour que les personnes présentes puissent confirmer que, oui, c'est bien elle.

Ce n'était pas la première excursion de Swift dans le domaine du hard rock : l'année précédente, elle était apparue avec Def Leppard dans la très populaire émission télévisée Crossroads de CMT, qui associait des stars de la musique country à des artistes d'autres genres. Joe Elliott and Co. a collaboré avec Swift et son groupe sur 11 chansons pendant la soirée, dont Leppard's Photograph, Hysteria, When Love And Hate Collide, Pour Some Sugar On Me, Love et Two Steps Behind.

"Les gens nous regardaient comme si nous avions trois têtes lorsque nous avons annoncé que nous allions faire cette émission télévisée avec Taylor Swift", a déclaré Elliott à Classic Rock. « Le but est de faire jouer deux artistes extrêmement opposés… Nous avons simplement vu cela comme une opportunité de faire quelque chose de différent. Et c’était un plaisir phénoménal.